Australia: La Visión De Un País

No es un secreto que el cine Australiano, con muy pocas excepciones, es prácticamente desconocido en el mundo entero, si acaso tiene alguna repercusión en su madre patria: Inglaterra, pero fuera de ahí el cine realizado en el continente perdido no es muy apreciado en otros países.

No obstante esto, de este han surgido, a lo largo de la historia, actores y directores que si han podido brincar las barreras para instalarse en el gusto popular a nivel mundial, Mel Gibson, George Miller, Phillip Noyce, Geofrey Rush, entre muchos otros han aportado su talento al séptimo arte durante décadas.

En el 2001 se lanzó a las pantallas una de las cintas mas aclamadas de la década, llena de glamour y sofisticación el director Baz Luhrmann y la actriz Nicole Kidman (ambos australianos) unieron esfuerzos para realizar Moulin Rouge: Amor En Rojo cinta que arrasó en taquilla y que parecía el renacimiento del género musical.

Aunque esto no sucedió, la cinta sirvió para cimentar la carrera de estos dos originarios del país de los canguros, fue entonces que Luhrmann ofreció a Kidman una cinta en la cual se elevaría a la máxima potencia el orgullo de ser australiano, esta idea devino, siete años después, en la realización de Australia, proyecto de alcances épicos y, hasta el momento, el film más caro jamás realizado en este país (120 millones de dólares) y con talento 100 % local.

El plan era realizar esta película con dos propósitos claramente definidos, primero dejar una derrama económica importante y la segunda ser la base de una gran campaña turística auspiciada por 20th Century Fox quien ha orquestado la mayor campaña publicitaria jamás elaborada en este país, generando así una expectativa de enormes proporciones.

Australia (la película) cuenta una historia sencilla que inicia cuando Sarah Ashley (Nicole Kidman) una aristócrata inglesa llega al lejano rancho Faraway Downs (algo así como Colinas Lejanas) con la intención de hacer volver a su patria a su marido, al cual encuentra muerto, a partir de ahí comienza la lucha de esta mujer por adaptarse a este gran e inhóspito país con la ayuda de un enigmático stockman algo así como la versión australiana del Cowboy gringo y quien es interpretado por Hugh Jackman (otro australiano de indiscutible popularidad)

Está de mas decir que entre estos dos personajes nacerá un romance que, si bien no es el punto medular de la cinta, si le da el atractivo suficiente para generar la taquilla necesaria, y es que lo primero que se nota en la pantalla es la gran química entre Kidman y Jackman, incluso cuando no están a cuadro, y resulta uno de los grandes aciertos de la misma.

No obstante, el verdadero corazón de la película es el de las "generaciones robadas", que son aquellos niños mestizos que entre 1896 y 1970 fueron arrancados de sus familias y dados en adopción o llevados a misiones para su "integración" racial, religiosa y social en el occidente, en otras palabras “quitarles” lo aborigen, y que sigue siendo un tema controversial y de franca vergüenza para la cultura australiana y que ya ha sido retratado en el cine, pero siendo esta la primera vez que se lleva mas allá de sus fronteras.

Otro tema importante en la cinta es el bombardeo llevado a cabo por el ejército Japonés en Darwin, pequeña población del norte de este país, en febrero de 1942, este hecho histórico es poco conocido en el resto del mundo a pesar de ser considerado más catastrófico que al ataque a Pearl Harbord, dos meses entes.

Gracias a estos apuntes es que esta cinta resalta, a pesar de su larga duración y cierto sentido teatral y sentimental que a momentos parece excesivo, pero que sirve para plantearnos la idea general que no pretende innovar, sino poner al país en el mapa.

Otro punto a favor es el diseño de producción y la hermosa fotografía, todo ello para elevar al máximo la épica romántica y darle así una apariencia de aquel cine que diera clásicos irrepetibles como Lo Que El Viento Se Llevó (1939), Doctor Zivago (1965) e incluso Titanic (1997) entre otros.

A excepción de ciertas secuencias generadas por computadora Luhrmann logra integrar el paisaje de este vasto país en la historia confiriéndole a la misma una personalidad única que pocas veces se aprecia en el cine, fuera de eso, sin embargo, la historia cae en ciertos baches narrativos, sobre todo, irónicamente, en lo que al romance concierne, pero es sobrepasado por la médula de la película, la historia de Nullah, un niño mestizo y que representa a la "generación robada" antes mencionada.

En resumen, Australia es una gran película que tiene todos los elementos para convertirse en un clásico y cuya puntualidad en la historia actual no parece tan alejada como aparenta, pues es este país precisamente el motor de la historia, un país que busca salir del anonimato o de la imagen que se tiene de el en el resto del planeta.

La peculiar visión del director, quien hace unos años revolucionó el género musical con su trilogía de la Cortina Roja (Strictly Ballroom, Romeo + Julieta y Mouline Rouge), hace que esta épica cinta salga de los convencionalismos al mezclar distintos géneros como el Western (el mas evidente) romance, guerra, drama y aventura, todo enmarcado por uno de los países más enigmáticos y llamativos del orbe: Australia

Rudo Y Cursi: De Vida Y Fútbol

“La vida es como un juego de fútbol”, con esa premisa sencilla se nos presenta la historia del rudo y el cursi, dos hermanos de la provincia agrícola mexicana que acuden al llamado de la fama y el estrellato futbolero nacional.

Beto “el rudo” (Diego Luna) y Tato “el cursi” (Gael García Bernal) trabajan en un campo platanero de la costa mexicana y juegan al fútbol en su comunidad, muy a la usanza de la idiosincrasia provinciana, ambos hermanos tienen sueños muy específicos, Beto quiere ser futbolista profesional y Tato cantante.

La suerte toca a sus puertas cuando este par es descubierto por “Batuta” (Guillermo Francella) un cazador de talentos argentino y sin escrúpulos que promete a ambos fama y gloria a cambio del 15 por ciento de sus sueldos, ambos aceptan y así inician un viaje en montaña rusa de emociones y auto descubrimiento.

Con guión original de los hermanos Cuarón (Alfonso y Carlos) y dirigida por el segundo Rudo Y Cursi es la primera película producida por Cha Cha Chá Films, empresa cinematográfica creada por Guillermo del Toro, Alejandro González Iñárritu y Alfonso Cuarón misma que se dedicará a producir películas tanto en México como en el extranjero.

Lo primero que resalta en Rudo Y Cursi es la participación de Gael García y Diego Luna dos de los actores más importantes de los últimos años y que, luego de 7 años de haber trabajado juntos en Y Tu Mamá También, (del propio Alfonso Cuarón) vuelven a compartir estelares en una película en la que todo el peso recae en los hombros de este par de jóvenes actores.

Por eso es imposible no hacer comparaciones de estos dos filmes, pues ambos tienen paralelismos en cuanto a la gente que las realizó, no obstante esto es lo único que tienen en común ambos filmes, pues no pueden ser tan opuestos.

Si bien en Y Tu Mamá el tema era la amistad llevado con cierto aire de desfachatez y liberación sexual en Rudo Y Cursi se habla de la hermandad confrontada, el precio de la fama y la reiteración recalcitrante del mexicano, temas llevados de la mano con el deporte mediático del país y todo lo que lo rodea (escándalos, venta de productos energéticos, etc.)

A pesar de esto, el fútbol no es el tema central de la cinta, sino mas bien un pretexto para presentar la historia, por lo que no es necesario ser un aficionado al balompié para disfrutarla, esto es un gran acierto, pues si bien el este es un deporte que tiene un gran número de aficionados no es suficiente para generar taquilla, recordemos los sonados fracasos de cintas como Gol (2005) y su secuela.

En Rudo y Cursi se trastocan temas universales que nada tienen que ver con el deporte en si, sino simplemente una forma de ver la vida, sus diferentes ángulos, logros y sinsabores que esta ofrece de la mano de personajes por demás llamativos que con su sola presencia llenan la pantalla y logran transmitir el mensaje.

Ambos, tanto el rudo como el cursi, son representantes de la condición humana, ambos reflejan lo mejor y lo peor de la raza, lo que les confiere características especiales que no cualquier actor puede transmitir, por lo que el ser encarnados por dos personas talentosas era simplemente obligatorio por lo que fue un gran acierto la incursión tanto de Bernal como de Luna en sus respectivos papeles y no sólo para generar taquilla, sino para darle toda la dimensionalidad necesaria a estos personajes que de otra manera hubieran sido caricaturizados o acartonados.

Otra diferencia radical entre Y Tu Mamá También y Rudo Y Cursi es el tono, mientras que Y Tu Mamá es mas bien una road movie con tintes dramáticos y contratiempos juveniles en Rudo Y Cursi la cosa va de comedia melodramática madura sin ser condescendiente y que viene a dar justo en la llaga en lo concerniente al panorama socio económico del país.

Todos estos apuntes no son gratuitos, al fin de cuentas la maquinaria cinematográfica nacional está viviendo en estos días una serie de cambios que indiscutiblemente son necesarios para el buen funcionamiento de la misma, cambios de los cuales somos partícipes todos, creadores, productores, políticos, artistas y espectadores, todos por igual debemos formar parte de la revolución cinematográfica.

Mientras uno como espectador normal aún se pregunte en la cartelera si la cinta “mexicana” que va a ver es chafa o es buena solo por ser precisamente mexicana entonces todavía no hemos cambiado nuestra percepción hacia el medio cinematográfico desde hace cuarenta años.

Sin embargo con el hecho de ir a ver películas como Rudo Y Cursi (independientemente de su alta calidad y sin diferenciarla de otras películas extranjeras) estamos por buen camino para recuperar en gran medida la industria cinematográfica nacional.

Lo curioso de todo esto es que Rudo Y Cursi es una buena película con todo y sus defectos, que resulta muy divertida incluso con el tono triste hacia el final, y que es un buen reflejo de nuestro presente y de la personalidad del mexicano porque en ella está la mirada intimista de nuestra idiosincrasia en todo sentido y eso es algo que no todos los días se puede apreciar.

Rudo Y Cursi

El Día Que la Tierra Se Detuvo

Haciendo un poco de historia de cine, el género de Ciencia Ficción nace casi a la par del cinematógrafo mismo, sobre todo considerando que el invento en si fue todo un acontecimiento de ciencia ficción para la época.

Sin embargo la primer cinta “oficial” del género fue De La Tierra A La Luna, del francés Georges Mélliés quien, basado en la novela de Julio Verne, hacía la primera versión cinematográfica de los viajes espaciales y los extraterrestres allá por el lejano 1902.

Cincuenta años después el norteamericano Robert Wise, director de clásicos inolvidables como La Novicia Rebelde (1961) o Amor Sin Barreras (1965), llevó a la pantalla de plata el cuento de Harry Bates, El Día Que La Tierra Se Detuvo (The Day The Herat Stood Still) en la que un platillo volador tripulado por un emisario de otro planeta (hay quienes afirman que en realidad es un visitante del futuro) llega a la tierra con el propósito de advertir a la raza humana sobre el mal camino que están tomando.

Realizada como una propuesta de cine clase B, aquel que se realizaba fuera del circuito de las películas de gran presupuesto y que en algunas ocasiones, como es el caso, superaban artísticamente a las de clase A, Wise filmó una cinta de ciencia ficción que rebasaba el género, mismo que se popularizó a tal grado de ser explotado hasta el cansancio.

En El Día Que La Tierra Se Detuvo el director hace una dura crítica a los gobiernos, sobre todo al norteamericano que ya desde entonces se consideraba el guardián del orden mundial, y que, disfrazada de cinta de extraterrestres, era mas que nada un llamado de alerta a la situación que se vivía en el momento (el comienzo de la guerra fría, las pruebas de armas nucleares, los experimentos con energía atómica, etc.) y que hoy en día parece tan actual como entonces.

Más de cincuenta años después, y a más de cien de la primera experiencia de ciencia ficción cinematográfica, llega a las pantallas de todo el mundo una nueva versión de la mítica película de Robert Wise que, al igual que la cinta de 1951, vuelve sobre la premisa principal del extraterrestre que advierte a la humanidad sobre sus errores.

Sin embargo en esta ocasión no se ve tan fácil para la raza humana, mas bien las cosas van por otro rumbo que, no obstante, no deja de ser interesante aunque por desgracia un tanto trilladas, ya que la cinta se inscribe mas al género de desastres tipo El Día Después De mañana (Emmerich, 2004) o La Guerra De Los Mundos (Spielberg, 2005)

Dirigida por Scott Derrickson, autor de la escalofriante El Exorcismo De Emily Rose (2005) El Día Que La Tierra Se Detuvo versión 2008 es una propuesta fílmica fresca que desgraciadamente no llega a pasar de un simple divertimiento fílmico apoyado en sus innovaciones tecnológicas y sus estrellas protagonistas (Keanu Reeves y Jennifer Conelly)

Así, las diferencias entre ambas versiones son abismales, no solo en efectos especiales, sino en la sintonía y el mensaje que ambas dejan tras su visionada, esto es evidente en el personaje principal de ambas, Klaatu (el extraterrestre antes mencionado) que en la versión de 1951 era un emisario que traía un mensaje a la humanidad y que en este refrito (interpretado por Reeves) es más un juez-verdugo de nuestras acciones que en ningún momento demuestra ni una gota de emoción.

Estas diferencias entre ambos filmes, que son de rigor analizar, son las que le dan a cada una su valor fílmico mas allá de lo antológico, es decir, que se colocan en distintas formas es la memoria colectiva, mientras el filme de 1951 es un clásico incuestionable, que a pesar de sus deficiencias técnicas no deja de ser altamente actual, la nueva versión no pasará de ser una película del montón inscrita en la lista de las que sólo se preocupan por ganar dinero.

Por ejemplo, mientras que el filme de Wise está lleno de referencias Cristianas (Klaatu es una imagen de Jesucristo que entre los humanos toma el nombre de Mr. Carpenter, o sea carpintero) en la nueva versión las referencias religiosas están ausentes, por lo que la simbología de ambas cintas es completamente diferente.

Otro punto de diferencia es que mientras la cinta de los 50’s utiliza la ciencia ficción como pretexto para dar un mensaje por demás potente, en esta nueva versión las cosas son al revés, pues los creadores utilizan el mensaje solo como una referencia, pretexto para hacer una cinta de ciencia ficción con lo último de la tecnología, lo que le da un aire de película veraniega (se iba a estrenar este verano pasado, pero hubo retrasos de post producción) con lo que se pierde por completo el espíritu de la cinta original.

Poniendo las cosas en claro, El Día Que La Tierra Se Paralizó, la cinta actual, no es una mala película, la historia y las actuaciones cumplen, sin embargo, para el espectador comprometido es de rigor revisar la versión clásica, de fácil acceso, para comprender toda la dimensionalidad de la historia y profundizar en su mensaje.

El Llanto De La Mariposa

La condición humana es algo increíblemente compleja, el solo tratar de entender los tejemanejes del ser resulta arto complicado, mas tratándose de cosas que se salen de toda lógica o explicación razonable como el caso de la gente que a pesar de estar en la peor situación salen adelante.

Y en el cine no hay excepciones, siempre que se trata un tema en el que uno o varios hombres hacen cosas extraordinarias por lo general resultan películas bastante populares, de esas que todo mundo comenta y conoce a la perfección.

Ese el caso de El Vuelo De La Mariposa (Le Scaphandre Et Le Papillon) cinta de origen francés y que cuenta la historia de Jean-Dominique Bauby un hombre que a los 43 años tenía el mundo a sus pies al ser director de Elle una de las revistas de modas más prestigiosas a nivel internacional.

La vida de este hombre era perfecta hasta que, precisamente a esa edad, sufre un ataque de origen vascular que lo desconectaría del mundo, todo su cuerpo queda paralizado a excepción de su ojo izquierdo.

A partir de ahí Bauby comienza las diferentes etapas que todas las personas que sufren algún accidente que los deja con alguna discapacidad, confusión, negación, desconsuelo, ira y aceptación, entre otras, no obstante al fin de cuentas este hombre que lo tenía todo en la vida de repente se da cuenta de que ahora no puede hacer absolutamente nada sin la ayuda de otro ser humano.

Tras aceptar su condición y con la ayuda de una enfermera con bastante paciencia este hombre empequeñecido al máximo descubre una forma de comunicarse con el mundo, con su ojo izquierdo.

Así comienza a formar palabras, párrafos, páginas y hasta un libro en el que relata al mundo sus vivencias y su experiencia de vivir dentro de una escafandra, esos trajes pesados que se usan para bucear (el nombre de la cinta en su versión original es La Escafandra Y La Mariposa) por desgracia, y como siempre, el traslado al español del título se vuelve un tanto cursi, no así la película.

Esta historia no es de superación, sino de un ser humano que, incluso en una condición tan difícil como el no poder moverse ni un centímetro, nunca perdió sus ganas de vivir, al contrario, con cada respiración se siente mas vivo y comprende que la felicidad no está en ser alguien o tener algo, simplemente en eso, en respirar.

Por eso se alaba el trabajo del director Julia Schnabel quien fácilmente pudo caer en la tentación de hacer una cinta lacrimógena y moralista en la que el protagonista aprende a superar sus debilidades y da a todos una lección de fortaleza y humanidad, lo bueno de la cinta en cuestión es que aquí no hay lágrima fácil y cursi, aunque si mucha humanidad de por medio.

Schnabel se arriesga prodigiosamente en cuanto a la forma de contar esta historia, dando al espectador la sensación de, como el protagonista, estar atrapados dentro de un traje de buceo en el fondo del mar, sin poder hacer nada al respecto, así la pantalla se llena de imágenes y sonidos que, al principio, pueden perturbar y causar desconsuelo, pero que poco a poco nos van mostrando la vida de este peculiar ser humano.

Lejos de la moralina implicada de cintas que tratan el mismo tema, la cinta de Schnablel se suscribe mas al tipo de cine que no trata de disfrazar la discapacidad humana, pero tampoco le da por su lado, es mas un tratamiento intimista en el que el espectador se ve involucrado desde el primer momento, simplemente es llamativo, simplemente es humano.

El Llanto De La Mariposa debe verse tratando de encontrar algo más que lo que se está viendo, pues el mensaje es mas profundo y sin embargo tan directo que a veces se nos cruza y no lo vemos, por lo que su visionada requiere un poco mas de nuestra atención, pero no se asuste, simplemente es cine mas inteligente, mas catártico que emocional, que no obstante nos hace comprender en muchos aspectos nuestra frágil condición.

A diferencia de la cinta Mar Adentro (Alejandro Amenábar, 2004) la historia de Ramón Sanpedro, cuadrapléjico español que sin posibilidad de mover cualquier parte de su cuerpo del cuello para abajo y que pedía a las autoridades la eutanasia para si mismo, la historia de Bauby es contada desde la óptica del protagonista, el cual nunca pierde sus ganas de vivir.

Así que si quiere ver una buena cinta rente El Llanto De La Mariposa y prepárese para vivir una experiencia cinematográfica que, si bien es un tanto triste y un poco lenta, una vez que haya empezado a ver no podrá dejar de hacerlo, pues la vida de este hombre, su logro de descubrir el amor que le tiene a la vida, su forma de ver las cosas desde la óptica de lo pequeño es insuperable.

En un punto de la película Bauby se pregunta que necesita el hombre para perder totalmente su dignidad, que nos hace menos o mas, esa es la gran pregunta de la cinta, la que nos deja con esa sensación de haber visto una cinta distinta a las demás.