Rec: Terror A La Española

El terror es uno de los géneros más populares del cine, la cosa es que a los seres humanos, como parte de todas nuestras complejidades, nos gusta que nos asusten, sentir el sudor frío, la taquicardia y que se nos ponga la “carne de gallina”, luego pegar el brinco y comernos las uñas para al fin darnos cuenta de que sólo fue una película.

Y dado que estos meses son los ideales para acercarnos a ver una película de miedo, los estudios se deciden por esta época para lanzar sus propuestas en este género, así llega a nuestras pantallas, con un año de retraso pero al fin realidad, una de las cintas más espeluznantes de las que este humilde cinéfilo recuerda, me refiero a Rec (Paco Plaza Y Jaume Balagueró, 2007)

Pero vayamos por partes, en primer lugar hay que decir que Rec es una producción española de la misma compañía que nos trajo Kilómetro 31 (Rigoberto Castañeda, 2007) Filmax, y que se ha avocado a realizar películas de gran calidad tanto en España como en Latinoamérica.

En segundo lugar Rec es una cinta sui géneris, realizada con verdadera devoción, llena de detalles y mas avocada a transmitir tensión que a asustar, aunque créanme que cuando los digo que da miedo, da miedo y seguramente despegarás mas de una vez tu cuerpo del asiento con uno que otro brinco en la butaca.

¿Pero de que trata?, la verdad es que hay películas a las que se debe asistir sin saber mucho de la trama y esta cinta es una de ellas, comienza como la grabación de un programa televisivo titulado Mientras Usted Duerme y seguiremos a una reportera durante la grabación del show en una estación de bomberos en “perspectiva”, es decir, como si nosotros fuéramos el camarógrafo.

Las cosas están de lo mas tranquilas hasta que se recibe una llamada de auxilio y la reportera y su camarógrafo se suben a la bombera en dirección de un viejo edificio de departamentos y… hasta ahí les contaré porque, como ya expliqué, lo mejor es ir a verla sin mucha información sobre la trama.

Rec es realización de dos de los cineastas españoles más importantes de los últimos años, Paco Plaza y Jaumé Balagueró, ambos reconocidos realizadores del género de terror que han sabido explotar con maestría a lo largo de su carrera, subiendo de calidad cada uno de sus filmes.

Los comienzos de ambos cineastas han sido de los más humilde y se han convertido en lo más sublime, sus obras anteriores tienes ciertos errores que, no obstante, ambos han aprovechado para aprender de ellos.

Rec no es una cinta perfecta, tiene algunos errores aunque tampoco son serios, digamos que técnicamente es muy buena, mas no excelente, la tensión, el miedo y la taquicardia están ahí, y al fin de cuentas es lo que se busca: Asustar, y Rec lo logra.

De Paco Plaza podemos mencionar cintas como El Segundo Nombre (2003) y Cuento De Navidad de la serie Historias Para No Dormir (2006) hecha para la televisión, pero con una alta calidad cinematográfica, Rec apenas es su tercer largometraje.

Por su parte Jaume Balagueró al igual que Plaza tiene poca experiencia cinematográfica, pero de gran calidad, ha dirigido cintas como Los Sin Nombre (1999) todo un hit en España, Darkness (2002) y la estrenada hace poco en el país Frágil (2006)

Estos dos jóvenes cineastas españoles han sabido, a base de trabajo y esfuerzo, sacar adelante un género que en últimas fechas parece haber decaído bastante, mientras que la maquinaria de Hollywood nos invade con películas insulsas y francamente mas parecidas a bromas que cintas de terror, este par de geniecillos nos ponen realmente en aprietos, pues con un estilo crudo, directo y sin miramientos simplemente nos asustan, y eso hay que agradecérselos.

El gran mérito de la cinta es el logro que los directores tienen al invitar al espectador a explorar lugares lúgubres donde el terror está, literalmente, entre las sombras, con un tono de documental, una falsa realidad que adentra a los que ven la película a las entrañas del miedo junto con los protagonistas y una vez adentro los directores pueden hacer lo que sea con los espectadores.

Por eso les digo de que da miedo, mucho miedo, así que estén atentos porque no estamos ante Scream o Sé Lo Que Hicieron El Verano Pasado y demás propuestas seudo terroríficas que dan mas risa que susto, aquí la cosa es causar miedo y este par de españolitos no se tientan el corazón para hacerlo.

Por cierto, hay que avisar dos cosas, la primera, si eres de los que no les gustan las cintas en perspectiva, es decir, como si fuera un documental estilo El Proyecto De La Bruja De Blair (Daniel Myrick & Eduardo Sánchez, 1999) o Cloverfield (Matt Reeves, 2008) con movimientos de cámara a veces borrosos y confusos, entonces Rec no es para ti, porque seguro saldrás mas mareado que asustado de la sala, evítate la molestia.

Dos, no vayas a verla solo(a), mejor invita a tu amiga(o) o a tu novia(o) para que ambos se den un buen susto y puedan decir que vieron una de las mejores cintas de terror de los últimos años… suerte y que tengan buenos sustos.

“Se Busca” Fin Del Verano 2008

El verano llega a su fin, con el termina lo que podríamos llamar la guerra de los blockbusters, una cruenta y despiadada batalla en la que las distintas casas productoras Hollywodenses se dan con todo con tal de obtener las mayores ganancias financieras alrededor del mundo.

Así las cosas, luego de ver grandes cintas y otras francamente decepcionantes el fin del verano llega y con el un pequeño descanso de estas cintas cargadas de efectos y hechas con una sola finalidad: ganar mucho dinero.

Precisamente me dispuse a ver la nueva cinta de Timur Bekmambetov, escritor y director de las conocidas en México “Guardianes De La Noche” y “Guardianes Del Día”, con un cierto dejo de desconfianza, sobre todo tratándose de una cinta cuyo trailer (es decir los cortos que ponen antes de cada película) que parecía excesivamente común.

Pero a veces la cosa es que simplemente uno se equivoca y termina presenciando el evento que cierra con broche de oro el verano.

La cinta está basada en la novela gráfica de Mark Millar's y cuenta la historia de Wesley Gibson (James McAvoy, el fauno de “Las Crónicas De Narnia”) un típico looser (perdedor) cuya única finalidad es el ser siempre humillado en un trabajo que odia y que su novia lo engañe con su mejor amigo, un típico ejemplar de la vida postmoderna.

Un día, Wesley recibe la vista de una misteriosa dama, resulta ser Fox (Angelina Jolie) una asesina al servicio de Sloan (Morgan Freeman) y una sociedad de tejedores milenaria dedicada a asesinar a los indeseables del mundo llamada simplemente “La Fraternidad”.

Si la trama parece no ser muy complicada, no hay que dejarse engañar, pues bajo la superficie se encuentra una historia con suficientes vueltas de tuerca, personajes atormentados, acción inteligente y uno de las persecuciones más adrenalínicas que hemos presenciado. El hecho de que los personajes puedan hacer que una bala le saque la vuelta a lo que pueda estorbar a su objetivo al principio puede parecer ridículo, pero una de las bazas de la película es de hecho que los personajes no son precisamente normales.

Lo curiosos del filme (y por ende de la novela gráfica) es que se desarrolla en un mundo en el que los héroes no tienen cabida, un mundo dominado por la oscuridad y la maldad en el que ser bueno o malo es irrelevante, simplemente hay que sobrevivir.

Así, descubrimos una gran afinidad con el personaje principal y con la búsqueda que emprende, que sólo es el comienzo de algo más grande que tiene en su interior y que simplemente quiere sacar, algo que, a nuestro entender, es la parte medular de la película, sin esta esencia simplemente sería la típica película de acción sin sentido.

Si bien es cierto que la principal referencia a este tipo de cine, ese que trata de encontrar la reflexión a través de los disparos y explosiones, no es nuevo, la referencia directa sería “The Matrix” (1999) filme del cual “Se Busca” bebe en ciertos puntos, hay otras cintas que parecen ser referente directo para esta nueva cinta.

Así encontramos retazos de películas como la mencionada “Matrix” y de “Fight Club” (1999) así como de series televisivas de culto como “Alias” y “Héroes” entre muchas otras influencias. A pesar de eso, “Se Busca” es fresca y encuentra su propio lugar en el mar de cintas cuya única finalidad es entretener, así la película de Bekmambetov sobresale del resto de las cintas veraniegas por la simple razón de ser distinta al resto, de tener voz propia y e incluso entregar un discurso por de más crudo y desgarrador sin ser pretenciosa o aleccionadora.

En cuanto a la participación de Angelina Jolie en el filme, que no nos hagamos es una de las razones por la que muchos caballeros irán al cine a ver esta película, les diré que la señora de Pitt tiene un papel memorable como Fox, una inmutable asesina despiadada que hace las veces de maestra y mentora de Wesley, un papel frío y calculado sin caer en la típica femme fatale.

Si hay un punto en contra en “Se Busca” es la evidencia por dejar la historia lo suficientemente abierta para realizar las inevitables secuelas, esperamos que las cosas se queden como están, pues como es sabido muchas de estas secuelas sólo sirven para darnos cuenta de que la primera parte sólo fue un golpe de suerte.

Para finalizar no está de más aclarar que la cinta tiene violencia explícita por lo que la hace no apta para mayores de 15 años, aunque ahora los chamacos estén expuestos a la misma cantidad de violencia en la televisión, no obstante nunca está de más ser precavidos.

Los Expedientes Secretos X: Quiero Creer... Que Es Una Buena Película.

La televisión de la década de los 90’s es pieza clave para comprender el fenómeno televisivo de los últimos años, sin lugar a dudas series como “E.R.”, “Buffy La Caza Vampiros” “Baywatch”, “Friends” e incluso “Los Simpson” son series que nacieron durante esta década y hoy en día siguen siendo referencia obligada para los amantes de la pantalla chica.

Sin embargo, al hablar de series de Culto de los 90’s en realidad la lista se reduce a un puñado, entre las que podemos mencionar “Twin Peaks” (1990 – 1992) obra del genial David Lynch y que, incluso hoy en día, sigue generando análisis y controversia y, para muchos, la madre de la serie moderna.

Otro de los programas televisivos que se puede considerar de Culto es “Los Expedientes Secretos X”. Creada por Chris Carter, un productor que hasta 1992 no había tenido éxito produciendo series que no pasaban de pocos capítulos y que fue precisamente en ese año que dio con el filón.

Con una mezcla entre la ciencia ficción, investigación paranormal, thriller, intriga política entre otros, Carter consiguió que la Twentieth Century Fox Televisión le aceptara una temporada, aún con cierto escepticismo, pues esta mezcla de géneros, ahora por demás usual, hace casi 20 años era algo prácticamente revolucionario.

No obstante la poca confianza del estudio por el trabajo del productor, “Los Expedientes Secretos X” o “X Files” (como los llamaremos a partir de aquí) se convirtieron en todo un fenómeno mediático en el que la gente se sumergía semana a semana, muy similar al vivido hace un par de años con “Lost”.

Y es que “X Files”, con todo y su enredosa trama, contaba una historia sui géneris dentro del universo televisivo en el que el conflicto emocional de los personajes se entretejía con una trama de conspiración gubernamental, alienígenas y hechos paranormales que eran esperados por sus seguidores casi de manera religiosa.

Sin embargo, como dice el dicho, todo por servir acaba, y los “X Files” terminaron luego de nueve temporadas, algunas buenas otras no tanto y una película en 1997 que decepcionó a mas de uno, hoy, a seis años de su cancelación y a nueve de la cinta mencionada, Carter nos ofrece una nueva entrega cinematográfica que muchos consideraban que nunca se realizaría.

Bautizada como “X Files: I Want To Belive” o lo que es lo mismo “Los Expedientes Secretos X: Quiero Creer”, yo quería creer que esta nueva entrega de las aventuras de Fox Mulder y Dana Scully sería espectacular y fuera de este mundo, sin embargo la cosa fue prácticamente lo contrario: decepcionarte.

Y no me refiero a que la cinta sea mala, cumple cabalmente con los estándares de producción y guión para decir que está sobre la media de cualquier película del género, no obstante, como espectador digamos, adentrado en el universo de los “X Files” la cosa no es tan sencilla.

En esta entrega el guión se alejada de la intriga política y del tema extraterrestre que caracterizaron a la serie y que era parte fundamental de la misma, no obstante esta nueva cinta parece mas uno de los capítulos ajenos a tales intrigas y que, según sus fans, eran los mejores. Así, lo que se antojaba como un regreso rimbombante, fastuoso se desinfla conforme la cinta avanza y nos damos cuenta de que lo que estamos presenciando no es otra cosa que algún guión reciclado de la serie televisiva o algo que Carter escribía para alguna serie piloto, pero no para el cine.

La cinta es entretenida y tiene los puntos necesarios para intrigar y mantener al espectador sin creer que fue engañado, pues los giros de tuerca no son forzados y la trama avanza firmemente, la personalidad de los personajes está intacta, ahí está el escepticismo de Scully y la obsesión de Mulder por descubrir la verdad, ahí están los conflictos emocionales, la inseguridad y la búsqueda de la fe, temas, todos ellos, explotados en algún punto de los nueve años que duró la serie y que, no obstante, simplemente parece que no llegan a satisfacer al que conoce de donde vienen los personajes, en otras palabras es más de lo mismo.

Por eso “X Files: I Want To Belive” no cumple y a la vez si, pues el espectador advenedizo de la serie tiene la oportunidad de disfrutar la película sin ningún tipo de “contaminación” y tal vez la disfrute mas.

Si en cambio sabes de qué va la cosa, es decir, si eres fanático o de perdida conoces las bases de la serie, esta película te decepcionará. Al menos se puede considerar como una curiosidad dentro de la serie misma, estás avisado.

“Hellboy II: El Ejército Dorado” Imaginación A Raudales.

“Se levanta en el mástil mi bandera, como un sol entre céfiros y trinos, muy adentro en el templo de mi veneración, oigo y siento contento latir mi corazón…”

Hace unos días se corrió la noticia de que la bandera Mexicana es “La Mas Bonita Del Mundo” (según una encuesta realizada por un importante diario español) y no puedo negar que sentí un gran orgullo, ese que se siente cuando uno sabe algo que, de repente la gente por fin reconoce.

El amor por la patria es algo que nos enseñan desde pequeños, venerar y respetar un símbolo como lo es nuestra bandera es algo con los que los mexicanos crecemos y con lo cual nos identificamos como hermanos de raza.

El amor por lo nacional, por lo que sabe a México es único entre nuestra gente, porque pocas culturas tan fieles a la patria como la nuestra, con sus colores, olores y sabores, lo que hace que todo mexicano se siente orgulloso de serlo.

Y fue precisamente mucho orgullo el que volví a sentir el otro día, cuando me enteré de que el Mexicano Guillermo Del Toro fue el elegido, entre muchos otros aspirantes, a dirigir la adaptación cinematográfica de “El Hobbit” importante obra de J.R.R. Tolkien y el siguiente gran proyecto del Neozelandés Peter Jackson (director de la afamada trilogía “El Señor De Los Anillos”)

La aventura de “El Hobbit” será entregada en dos películas (2010 y 2011 respectivamente) con un presupuesto total de 150 millones de dólares, toda una ganga para los productores involucrados, según se augura.

Obviamente mi alma Mexicana y mi cerebro cinéfilo le dan todo el apoyo y la confianza al gordo Del Toro en esta empresa, nada sencilla, pero de la que estamos seguros saldrá airoso, ¿Por qué estamos tan seguros?, bueno, porque se trata de un Mexicano, y en eso de domar los problemas somos expertos.

Pero fuera de analogías, Guillermo Del Toro está pasando por una de sus mejores etapas, en el sentido cinematográfico, esto queda demostrado en la última entrega de este genial director, nos referimos a su actual trabajo en cartelera titulado “Hellboy 2: El Ejército Dorado” en la cual el Jaliciense no regala un increíble viaje a través del mundo de lo fantástico.

Con una variedad de trucos técnicos y argumentales, Del Toro nos lleva de la mano con una aventura épica, donde sobresale un sentido del humor muy peculiar y una variedad de seres y situaciones que sobrepasan, con mucho, la calidad cinematográfica de la primera parte.

Y todo esto realizado con un presupuesto realmente irrisorio, mientras que “Hellboy 1” costó 70 millones esta segunda parte fue realizada apenas con 15 millones mas, y aún así pareciera que el costo total rebasa, cuando menos, el doble, y es que una de las cualidades de Del Toro es mostrar en la pantalla mucho mas que el costo de la película, es decir, que le saca jugo a cada uno de los dólares invertidos en sus proyectos, cosa que no es nada sencillo en una industria tan demandante como la cinematográfica.

Fue en el 2007 en el que cambiaría por completo la carrera de Del Toro, al llevar a buen puerto el proyecto de “El Laberinto Del Fauno”, convirtiéndose en la película de habla no inglesa mas taquillera en Estados Unidos el año pasado y una nominación al premio de la Academia como mejor película extranjera.

Aún así, todas las expectativas en la secuela de “Hellboy” estaban mas hacia el lado de lo irrealizable, pues la primera entrega no fue muy bien recibida por la taquilla, no obstante su lanzamiento en DVD fue otro cantar, convirtiéndose en una de las cintas mas vendidas de la historia en este formato.

Ahora, lo que podemos decir de la película en si es simplemente que vale la pena, y mucho, sobre todo por el maravilloso mundo que Del Toro creó para nosotros, lleno de magia y seres mitológicos, aparte la cinta tiene acción y es, de lejos, mucho mas divertida que la primera parte, con chistes mas agudos y diálogos mas ingeniosos.

Aclarado también que aunque la cinta no es precisamente para niños, los mayores de 12 años la disfrutarán a raudales, porque ustedes los adultos salen con el clásico: “Pero es que es pura fantasía…” al final de eso se trata, así que si vas al cine y no sabes a cual entrar, no lo pienses mas, “Hellboy 2” es una buena opción.

Para concluir, hay que decir que por ahora Guillermo Del Toro está ocupado en la preproducción de “El Hobbit” , que esperamos con ansias sea tan épica como “El Señor De Los Anillos” que, aparte de Peter Jackson, solo pudo haber sido realizada por nuestro querido “gordo” en el cual confiamos plenamente.

“Ismael Rodríguez: Retratista De La Idiosincrasia Mexicana”

Pocos lo saben pero cuenta la leyenda que Ismael Rodríguez murió dos veces antes de nacer, aclaro el dato, la pareja Rodrigues Ruelas tuvieron un hijo al que llamaron Ismael, pero este falleció a los dos años a causa de haber caído en un pozo, poco después la pareja tuvo un segundo niño al que volvieron llamar Ismael, este murió a los seis meses a causa de complicaciones respiratorias.

Sin embargo, el 19 de octubre de 1917 nace Ismael Rodríguez Ruelas en la ciudad de México y esta vez su hijo vivió lo suficiente para convertirse en uno de los directores de cine más importantes del país.

A los nueve años emigró con su familia a Los Ángeles, California, donde sus dos hermanos mayores, Roberto y Joselito, desarrollaron un sistema de cine sonoro. Regresaron a México para trabajar en la película “Santa” (1931) de Antonio Moreno, en la que Ismael hizo una pequeña aparición como extra.

Tras realizar distintas labores de tipo técnico Rodríguez debutó como director con la cinta “¡Qué lindo es Michoacán!” (1942) y con sus hermanos, fundó Películas Rodríguez, empresa productora de larga y exitosa trayectoria.

En 1943 codirige la cinta “Mexicanos Al Grito De Guerra (Historia del Himno Nacional)” donde iniciaría una relación artística con otro grande de la pantalla, Pedro Infante a quien llegó a dirigir en 16 ocasiones, siempre aprovechando al máximo los valores histriónicos del Sinaloense.

De esta época son clásico Mexicanos del calibre de "Los Tres García" y su continuación, "Vuelven Los García (1946),” Nosotros Los Pobres” (1947), “Ustedes Los Ricos (1948), "La Oveja Negra y su continuación "No Desearás La Mujer De Tu Hijo (1949) "Sobre Las Olas" (la primer película a color de Pedro Infante) (1950) "A. T. M. A Toda Máquina" y su continuación "¿Que Te Ha Dado Esa Mujer?" (1951) y "Pepe El Toro" (1952) entre otras.

Y es precisamente la trilogía de Pepe El Toro, personaje antonomástico de Infante, donde Rodríguez le confiere a la cinematografía nacional su total apego al melodrama urbano, lleno de personajes y situaciones que poblarían la imaginería y artífice de la Telenovela Mexicana, en donde el héroe, hombre (o mujer) sincero y sencillo, con mas corazón que recursos sale avante de las peores situaciones.

En esta época, Pedro Infante e Ismael Rodríguez crean una de las alianzas más trascendentes de la historia de nuestra cinematografía, porque según palabras de los expertos Ismael crea la figura del Infante mítico, ese que enseña sus emociones a través de su propia existencia.

De esa manera Ismael Rodríguez se convierte en autor de una de las figuras más importantes, no sólo del cine sino de la cultura popular nacional que hoy en día continúa siendo objeto de veneración y parte medular de nuestra cultura, sin Ismael no hay Pedro, sin Infante no hay Rodríguez.

En 1948 hace lo impensable, con una variedad de trucos fotográficos multiplica la figura Infante en la cinta “Los Tres Huastecos” y en 1952 vuelve a realizar lo irrealizable, junta en pantalla a dos de las figuras mas importantes de la cinematografía nacional, Jorge Negrete y su Pedrito Infante en la comedia ranchera de enredos “Dos Tipos De Cuidado”, clásico indiscutible del cine Mexicano.

Con la muerte de Infante en 1957 nace una de las leyendas del cine nacional y parte esencial de nuestra identidad como mexicanos, pero Rodríguez, quien llora amargamente la partida de su amigo, no ceja en el empeño de trabajar en pos de su propia visión artística. En 1961 dirige la que, en nuestro muy particular punto de vista, es su obra maestra: “Los Hermanos Del Hierro”, trabajo fundamental en el que Rodríguez retrata de manera cruda y sin miramientos la figura del hombre entregado a la tierra y a su sangre que no puede desprenderse del lugar en el que está plantado.

Con una dirección firme, hosca, casi rustica, entrelaza la lucha física de los personajes con su propia existencia en una obra maestra que debe ser apreciada por las nuevas generaciones y que desgraciadamente no ha tenido la difusión necesaria como otras cintas de menor valor del mismo director.

Durante las siguientes décadas su calidad cinematográfica decaería de manera vertiginosa con películas entregadas a los temas de moda como el narcotráfico y la picardía con títulos como “Blanca Nieves Y Su 7 Amantes” (1980) o “Hierba Sangrienta” (1986) hasta concluir su carrera con la horripilante (en muchos sentidos) “Reclusorio III” (1996)

No obstante esta caída a Ismael Rodríguez se le considera uno de los artífices de cine más importantes de México, con un prodigioso olfato para el éxito taquillero, Ismael cultivó películas en las que desmarañaba la idiosincrasia de la sociedad Mexicana tanto en el ámbito rural como urbano, Ismael Rodríguez murió a el 7 de agosto de 2004, sin embargo su legado perdurará para siempre.

“Batman The Dark Knight” La Batalla Por La Taquilla 2008

Fue en enero de este 2008 en el que se desató el escándalo cuando se dio la noticia de que Heath Ledger, uno de los actores más prometedores de esta generación, se había quitado la vida en su apartamento en Manhattan.

La noticia cayó como balde de agua helada a los cientos de fanáticos que el Australiano tenía alrededor del mundo y es que en pocos años Ledger se posicionó, a base de actuaciones memorables, en uno de los actores más importantes del momento.

Su increíble actuación en “Brokeback Mountain” (titulada en México con el pretencioso nombre de “Secreto En La Montaña) le valió el reconocimiento y prestigio que muchos actores tardan décadas en conseguir y que le abrió las puertas del olimpo Hollywoodense.

Cuando en el 2007 Christopher Noolan (director de “Batman Inicia”) dio la noticia de que el actor de 28 años encarnaría al famoso villano Joker en la nueva cinta del héroe encapuchado, muy pocos dudaron de la capacidad de Ledger de dar vida a un personaje tan complejo y sui géneris.

No obstante la pérdida del actor le dio un giro dramático al asunto, y morboso de eso no hay duda, que incluso antes de que la cinta saliera al mercado ya había una serie de situaciones que la convirtieron, gracias a este acto, en algo mas que una cinta común y corriente.

Al igual que sucedió con otros proyectos en los que el protagonista o alguien importante del elenco muere, como el sonado caso de “El Curvo” en el que el actor Jason Lee falleció en misteriosas circunstancias en pleno rodaje, el principal problema planteado era: ¿como vender una cinta en la que el actor ya no está?, ¿la gente la irá a ver por que es una buena película o por morbosidad?, ¿al morir el actor se pierden sus derechos de réplica?

Tal vez sean dudas un tanto ambiguas, pero para los estudios cinematográficos que manejan grandes cifras cualquier tipo de inconveniente, sobre todo si se trata del fallecimiento de su estrella, puede resultar de carácter catastrófico, en especial con una franquicia tan importante como la de Batman.

Pero dejando a un lado la fatídica historia de Ledger hay que hablar de la película, para empezar no podemos dejar de hacer esas odiosas comparaciones que, aunque a muchos no les guste, son inevitables, porque hay que nivelar las cosas para poder así resaltar las virtudes y los defectos del trabajo realizado.

Así que: ¿Es una buena película “Batman The Dark Knight”?, la respuesta es definitivamente si, ante la pregunta ¿es mejor esta segunda parte a su predecesora? La respuesta es un rotundo casi.

Si bien Christopher Noolan había dejado en claro cuales serían las reglas a seguir con su “Batman Inicia”, sobre todo en el tono que esta nueva saga adquiriría, podemos decir sin temor a equivocarnos que el mismo Noolan decidió seguir su propio juego y realizar una película que no fuera mejor ni peor que la anterior, simplemente diferente y las diferencias, como bien sabemos, a veces son más importantes.

Situada inmediatamente después del final de “Batman Inicia”, en esta segunda entrega nos encontramos con que, poco a poco, el superhéroe ha ido limpiando Ciudad Gótica, aunque le falten algunos peces gordos que piensa capturar con la ayuda de Harvey Dent, el nuevo y flamante fiscal de distrito, así las cosas hasta que aparece en escena un nuevo villano que, a diferencia de otros, no busca beneficio económico ni venganza, simplemente divertirse haciendo el mal, ese es el Joker.

Es este a grandes rasgos el argumento de “Batman The Dark Knight”, pero vayamos por partes, como dije anteriormente no podemos decir que esta cinta sea mejor que su primera parte, pero también hay que aclarar que “Batman Inicia” no era una mala película, simplemente diferente. A pesar de que mas de uno se quejó de la falta de más escenas de acción, el verdadero valor de la cinta (seguimos hablando de “Batman Inicia”) radicaba en el buen manejo de personajes y la lucha entre el bien y el mal desde el fondo.

La figura heroica, la búsqueda de la paz y la libertad eran, como ha venido siendo desde que el personaje de Batman fue creado, las principales bazas de la película y esta segunda entrega sigue inmensurablemente este camino, incluyendo la espectacular visión de Ciudad Gótica que Noolan tiene.

Así, “Batman The Dark Knight” debe ser vista con ojos benevolentes en el sentido de quien busca la acción desenfrenada, aquí podemos decir que veremos lo mismo que su primera parte pero mejorado, siguiendo, y esto es lo más importante de la cinta, la evolución del personaje que en esta ocasión si tiene claro la finalidad de su lucha.

Para concluir diremos que la cinta es recomendable para los que no hayan visto la primera parte y altamente recomendable para quienes ya la vieron y les gustó, aunque eso está de mas decirlo, en definitiva, ¿es “The Dark Knight” una buena película?, pongámoslo así, mejor que las horribles versiones de Joel Schumacher si, pero aún le falta para superar la genial versión de Tim Burton.

Luis Buñuel: La Mirada Voyerista Del Siglo XX

El 29 de Julio del 2008 se cumplen 25 años del fallecimiento de una de las figuras más emblemáticas de la historia del cine, nos referimos a Luis Buñuel Mucho se ha escrito, analizado y dicho sobre el genio de Aragón, por lo que aquí solamente realizaremos una pequeña reseña a manera de homenaje de este importante figurón.

Nacido un 22 de febrero de 1900 en la pequeña población de Calada, provincia de Teruel en España, Buñuel fue educado desde pequeño en un colegio de Jesuitas, hecho que lo marcaría y le generaría un profundo sentimiento crítico hacia la iglesia.

A los 17 años se traslada a Madrid llegando a residir en la Residencia de Estudiantes de la capital española, ahí conoce al pintor Salvador Dalí así como a otros prometedores artistas de principio de siglo XX que en cierto sentido influenciaron el devenir artístico de Buñuel.

No obstante fue precisamente con Dalí con quien entablaría una amistad que los llevaría a realizar, en Francia, el corto “Un Perro Andaluz” en 1928, cinta que en sus 17 minutos de duración explora de manera ingeniosa y asombrosa las capacidades narrativas del surrealismo.

Con igual fortuna, pero logrando incluso más controversia y rechazo de grupos morales y religiosos, en 1930 dirige “La Edad De Oro”, cinta polémica y provocadora en la que criticaba de manera mordaz a la iglesia y la clase media con una adaptación de “Los 120 Días De Sodoma” del Marqués de Sade, autor del cual Buñuel sentía una especial devoción.

Tras el estallido de la guerra civil, Buñuel se autoexilia en Estados Unidos y tras un breve período en este país se viene a residir definitivamente a México en donde comienza su carrera cinematográfica de manera mas seria realizando en este país el grueso de su obra.

Luego de incursionar el la industria cinematográfica nacional con obras menores que no se diferenciaban de las mediocres producciones nacionales de la época, en 1950 y con todo en contra filma en 22 días “Los Olvidados” pieza clave en la cual Buñuel retrata de manera cruda y sin concesiones la juventud marginal de una ciudad espejo del mundo.

Luego del éxito de crítica, que no tanto de público, el Aragonés dirigió cintas de diversa calidad en nuestro país, entre las que sobresalen el melodrama psicológico “El”, “Nazario” basada en la novela de Benito Pérez Galdós y la emblemática “Ensayo De Un Crimen”.

En 1961 y tras una disputa con su productora en México, Buñuel decide ir a España a filmar, bajo el auspicio del productor Mexicano Gustavo Alatriste quien solo le pide le dé el protagónico a su esposa, la actriz Silvia Pinal, así Buñuel filma “Viridiana”, una obra maestra que se convirtió en un trabajo controversial en su país y que se salvó de ser destruida gracias a la pericia de Alatriste.

Considerada una de las obras cumbres, no sólo de Buñuel, sino de la cinematografía universal, “Viridiana” se estrenó hasta 1977 en España y es hoy en día fiel reflejo de la maestría de Buñuel de retratar satírica y dramáticamente los diferentes estrato sociales que existen.

Luego de “Viridiana” y durante las siguientes dos décadas Buñuel trabajaría de manera alternada entre México y Francia, de esta época son cintas como la maravillosa (y claustrofóbica) “El Ángel Exterminador”, la brillante “Diario De Una Camarera” la ácida y disparatada “Simón Del Desierto” y la delirante “Bella De Día” con su otra musa Catherine Deneuve.

En la última parte de su carrera Buñuel seguiría realizando obras insuperables, sin alejarse nunca se su particular estilo como “La Vía Láctea”, “Tristana” con la que volvería a trabajar en España, “El Discreto Encanto De La Burguesía” que le valdría el premio de la academia de ciencias y artes cinematográficas de Hollywood en la categoría de película de habla no inglesa, “El Fantasma De La Libertad” y “Ese Oscuro Objeto Del Deseo” su último y delirante trabajo.

De carácter fuerte y férreas convicciones ateístas, iniciador de mas que un simple movimiento generacional como el Surrealismo, Buñuel dio al mundo su forma particular de ver la vida a través de una cámara de cine en el que transitan personajes llenos de frustraciones y deseos que cumplen el sueño voyerista del realizador Aragonés.

Con todo, Luis Buñuel es uno de los genios cinematográficos de la historia, creativo y original que sigue siendo un autor enigmático que durante más de seis décadas estableció y rompió normas cinematográficas y narrativas a su antojo, echo que lo estableció como uno de los “Dioses” del Olimpo Cinematográfico.

Su genio queda reflejado en una de sus frases: “El hambre no justifica la prostitución del arte”

Los Sietre Samurais: Epica De Kurosawa

Los "Siete Samuráis" de Akira Kurosawa está dentro de la lista de las mejores 100 películas de la historia, y no es para menos, con ritmo frenético y un despliegue técnico impecable, el director Japonés retrata de manera vertiginosa las aventuras de un puñado de hombres que trasformaron a un grupo de campesinos cobardes en todos unos guerreros defensores de sus pertenencias.

El guión, escrito por el propio Kurosawa, está basado en un cuento tradicional Japonés y es el retrato fidedigno de una época que Kurosawa llevó a su máxima expresión dentro de su propio arte, algo muy parecido con lo que pasó en Italia con Sergio Leone y su “Bueno, Malo Y El Feo”, en el sentido de que se volvieron, cada uno con sus respectivas obras, en prestigiados directores con toda una carrera detrás que, no obstante, no habían tenido el reconocimiento internacional que se merecían y que lograron, cada uno, con sus respectivas películas.

Por eso es importante recordar que Akira Kurosawa no es sólo “Los Siete Samuráis”, así como Sergio Leone no sólo es “El Bueno, El Malo Y El Feo”, sin dejar de lado que ambas cintas son, y de esto no hay lugar a dudas, piedras angulares de la cinematografía internacional.

Akira Kurosawa, conocido también como el Samurái del cine, es, y no hay objeciones, el director mas famoso de Japón gracias a una de las filmografías mas impresionantes de la historia, no obstante a este peculiar personaje se le encasilló en cintas ambientadas en el Japón Feudal, y no es para menos, pues el grueso de su obra está ambientado precisamente en este período, aunque tiene otras cintas importantes que nada tienen que ver con su cine épico, como es el caso de “Vivir”, una dura crítica a la forma de vida de los países industrializados, directamente del Japón de la post guerra.

Pero volviendo a “Los Siete Samuráis”, en el contexto de cine de aventuras, no hay otra forma de calificarla como vertiginoso, con una duración casi extra larga (mas de 3 horas) la cinta se antojaría “lenta”, no obstante es totalmente lo contrario, frenética, divertida y emocionante, adjetivos que, incluso, le quedan cortos, porque Kurosawa se desvive, es notable su manera de transformar un pasaje épico en una historia de conflictos internos en la cual los personajes, cada uno de ellos definido y diferente, buscan el camino a la redención por medio de el auto sacrificio y la contemplación de la estricta forma de vida del Samurái, personalidad central de la historia.

La trama, que no desmenuzaremos aquí, pero que a grandes rasgos parte de la búsqueda que emprende un grupo de campesinos por varios Samuráis con la finalidad de que estos protejan su aldea del acoso de un grupo de ladrones.

A partir de que los Campesinos comienzan a convencer a varios Samuráis (en el sentido estricto hay que aclarar que estos Samuráis en realidad son “Ronin”, es decir, guerreros sin patrón y deshonrados, de alguna u otra forma, pero que al momento de comenzar a trabajar para los aldeanos se convierten en Samuráis y encuentran así la redención) la cinta deambula entre dos géneros, el melodrama y la comedia desfasada. Esto se nota en esencia en dos escenas, en la primera los Campesinos sufren el robo de su arroz, con lo cual alimentan a sus benefactores, cosa que los pone en verdadera crisis, por otra parte, la comedia se destapa en una escena clave de la película cuando el Samurái líder Kanbei pide su aprendiz Katsushiro que golpee con un gran tronco a todo aquel que entre en el recinto, para ponerlo a prueba.

Luego de que todos los Samuráis llegan a la aldea los géneros se bifurcan más aún, dejando a un lado el drama Kurosawa se va mas hacia el género de, ahora si, aventura épica, comedia desbordada y un toque de romance, los personajes catalizadores de estos géneros son los Aldeanos.

El punto medular de la cinta es, hacia el final, cuando los mismos Campesinos deciden no dejar que nadie les arrebate lo que con tanto sudor y trabajo han conseguido, así ellos mimos se redimen y redimen, a su ves, a los Ronin ahora transformados en Samuráis.

Lo increíble de la cinta es la falta de pretencionismo por parte de Kurosawa que logra darnos varias lecciones, la primera, la de adentro, es en el mensaje de la historia, mensaje lleno de valores éticos que no hay que dejar a un lado, al contrario, hay que analizar y considerar. La segunda lección que da Kurosawa es con respecto a lo cinematográfico al mostrar como se puede realizar una cinte de tintes épicos con soltura y sin caer en posturas pretenciosas o de valores sin sentido, la misma lección que da en “Jojimbo”, pero magnificada por personajes mas desfachatados y situaciones mas heroicas, donde el sacrificio en una cualidad básica para convertirse en leyenda.

Por esas razones a los Norteamericanos les encantó “Los Siete Samuráis”, al grado de realizar un Remake (Los Siete Magníficos) simplemente porque el cine de Kurosawa tiene la misma esencia del Western, con personajes marginales (ahora se conocen como antihéroes) y situaciones límite que ponen a prueba el coraje y el valor ético de los mismos.

Sin lugar a dudas es “Los Siete Samuráis” es cine de escape, de aventura épica, divertido, incluso chistoso, romántico y lleno de paisajes hermosos que, a pesar de todo, no deja de ser un artículo de arte y una de las piedras angulares del cine universal, porque es cine hecho con pelotas, con pelotas Japonesas.

• Toshiro Mifune:(Kikuchiyo) el joven de origen campesino que intenta llegar a ser conocido como un verdadero Samurái, Mifune se convirtió en el actor fetiche de Kutosawa al aparecer en casi todas las cintas realizadas por el mítico director.
• Takashi Shimura:(Kanbei) el soldado nato y líder natural del grupo cuya capacidad de dirigir las masas y habilidad táctica le convierten en el líder perfecto.
• Daisuke Kato: (Shichiroji) es un antiguo amigo de Kanbei, además de un excelente y experimentado guerrero.
• Ko Kimura:(Katsushiro) es el más joven del grupo e intenta aprender a ser un buen Samurái de su “sensei” (maestro) Kanbei.
• Minuro Chiaki:(Heihachi) es el miembro más alegre del grupo, y quizás el único al que las guerras no han extirpado el buen humor.
• Seiji Miyaguchi:(Kyuzu) es el maestro en el arte de matar con la espada que acompaña al grupo y cuyo único objetivo en la vida es perfeccionar su estilo de combate. Como dato curioso, Seiji Miyaguchi, antes de rodar “Los Siete Samuráis”, no había tocado una espada, y en la película aparece como un verdadero experto.
• Yoshio Inaba:(Gorobei) este es sin duda el Samurái con más experiencia de todo el grupo. Podría salir de cualquier problema utilizando sólo su experiencia e ingenio.

Las Peores Películas....

El cine es el arte mas popular de la historia, hablar de buen cine o de mal cine es un tema bastante personal, ya que la que para algunos es una película nefasta para otros puede ser una verdadera joya de arte, por eso, hacer esta clase de listas siempre es difícil, porque no importa cuanto tiempo le dediques, con que cuidado lo hagas o que se yo, siempre quedarán fuera cintas que pudieron estar dentro de la lista y siempre habrá gente instatdisfecha con la misma. Pero a mi no me importa, porque el chiste de las películas que están en esta lista es que aun que sean malas (malisimas, en verdad) son cintas entretenidas y llenas de magia, el cine es eso y es que no hay que olvidar que el único pecado Real del cine es Aburrir... además, como diría Luis Buñuel, "La peor película es la que no se hace".

Son sólo 5 y no hay orden específico....

01.- Plan 9 Of The Outer Space (1956) - Dice el dicho cinematográfico, "Es tan mala que es buena", una invasión del espacio exterior se vuelve una verdadero viaje ácido, vampiros, extraterrestres y gente gritando y corriendo como loca, además de algúnas de las peores actuaciones de la historia... con esta cinta su realizador, Ed Wood, demostró que era el maestro de la chatarra (¿que se podía esperar de un director que le gustaba trabajar vestido de mujer?), todas sus películas eran tan malas que cualquiera pudo estar en esta lista, pero Plan 9 es la mas alucinante.

02.- El Santo Contra Las Mujeres Vampiro (1961) - Sería un verdadero pecado dejar fuera de esta lista alguna película con el inmortal Santo "El Enmascarado De Plata", en esta cinta dirigida por Alfonso Corona Blake nuestro Santito se enfrenta a un grupo de Mujeres Vampiro sedientas de sangre. Lo curioso de esta cinta es que se hicieron dos versiones, una Light con las vampiritas (Mom' Mamacites, como diría Mauricio Garces) bien tapadas para el mercado Latinoamericano y una versión Topless que se distribuyó en Europa donde causó furor... La segunda versión es mejor que la primera por obvias razones.

03.- Cobra (1986) - Hablar de Silvester Stallone es hablar de uno de los fenómenos de taquilla mas grande de los 80's, esta cinta marcaría el inicio de lo que para muchos sería una verdadera plaga: Películas llenas de acción cargadas de violencia y con cero guión। Actuaciones acartonadas, clichés del género, hiper violencia, un final cursi y un Silvester Stallone que no se quita los guantes de piel negros ni para comer son sólo algunas de las cosas que hacen de esta la PEOR película del gran "Cara Caída", todo un deleite churrero.

04.- The Toxic Avanger (1985) - Melvin, un flácido y bastante torpe intendente de un club es transformado, por obra y gracia de los desechos tóxicos en el Toxic Avanger, un musculoso y malhumorado superhéroe que con trapeador en mano barre (literalmente) con el mal। Está basada en un comic pero la cinta es tan mala que es objeto de culto en EU y Europa, se han hecho las inevitables secuelas (The Toxic Avenger Part III: The Last Temptation of Toxie (1989) y The Toxic Avenger, Part 2 (1988) ) tan malas o peores que la original e incluso una serie animada। Un dato curioso, la película es tan mala que necesitó de tres , si tres (3) directores: Michael Herz, Lloyd Kaufman, Samuel Weil y tres (3) guionistas: Joe Ritter, Stuart Strutin, Gay Partington Terry.

05.- The Attack Of The Killers Tomatoes (1978) - Otro ejemplo de que lo malo no es necesariamente sinónimo de olvidable, esta cinta es (al igual que casi todas las anteriores, todas excepto Cobra) objeto de culto y veneración por legiones de fans, es responsable de incontables secuelas, comics e incluso series animadas. la historia es lo de menos, lo interesante es ver cómo los tomates se comen a la gente (aunque; ¿a alguien le interesa?), por cierto en una de sus tantas secuelas hizo su debut cinematográfico una de las estrellas del cine actural: George Clooney.