40 Años De Erase Una Vez En El Oeste

El 21 de diciembre se cumplen 40 años del estreno de Érase Una Vez En El Oeste (Once Upon A Time In The West) una de las obras cumbres de la cinematografía, una verdadera pieza de arte concebida a través del género cinematográfico por antonomasia, el Western.

La historia de cómo esta película fue concebida es una de las mas interesantes del cine, luego de concluir en 1966 con gran éxito la trilogía de los Dollars (iniciada en 1964 con Por Un Puñado De Dólares, Por Unos Dólares Mas en 1965 y El Bueno, El Malo Y EL Feo en 1966) Sergio Leone había ganado fama y fortuna, pero estaba cansado del género y planeaba hacer algo completamente distinto: una cinta sobre los gangsters en América.

Sin embargo la productora Paramount Pictures le ofreció al italiano realizar una cinta Western mas, para lo cual le dieron 5 millones de dólares y la posibilidad de trabajar con Henry Fonda, así Leone aceptó por lo que se puso a trabajar de inmediato con la ayuda de Luciano Vincenzoni y dos fans de su trabajo: Dario Argento y a Sergio Donati para la elaboración del guión el cual los cineastas llenaron con referencias a otras cintas clásicas del género como Johnny Guitar (1954) o La Diligencia (1939) entre muchas otras, creando así una de las primeras cintas homenaje de la historia.

Entre las condiciones que Leone puso a los ejecutivos de Paramount fue la de filmar en Monument Valley, lugar de un importantísimo valor sentimental y artístico e icono irrefutable del Western, pues ahí se filmaron cientos de cintas y se sigue utilizando hoy en día como gran escenario natural.

Para el inicio de la filmación Leone ya tenía a tres de los cuatro personajes principales, por primera, y única vez, le da un papel principal a una mujer, siendo la elegida Claudia Cardinale, así mismo elige a Charles Bronson por recomendación de Clint Eastwood y a Jason Robards tras verlo en The Hour Of The Gun (1967) de John Sturges.

Sin embargo aún le faltaba el papel mas importante de todos, el villano, a pesar de la promesa de Paramount de asegurar a Henry Fonda para actuar en su nuevo trabajo, Leone no estaba muy convencido, lo que el director no sabía es que tampoco a Fonda le agradaba mucho la idea de trabajar con el Italiano dada la mala reputación que este tenía de perfeccionista con sus actores.

Así Fonda fue a conocer a Leone con toda la intención de que este le pareciera que no reunía las cualidades suficientes para ser villano, por eso la primera impresión del Sergio sobre Henry fue que el actor estaba demasiado viejo para el papel, no obstante luego de una larga charla entre los dos ambos se convencieron de que harían un buen equipo y Leone consiguió a su villano.

Otro de los elementos que dieron dolor de cabeza a la producción fue la decisión del director de construir desde cero el pueblo que aparece en la cinta, así este lugar fue construido en el desierto de Almería, en España e incluía cerca de tres kilómetros de vías ferroviarias que hoy en día siguen en su lugar.

El compositor Enio Morricone volvió a trabajar con Leone en la partitura musical, pero a diferencia de sus anteriores colaboraciones se le encargó componer la música sobre el guión, algo completamente inusual incluso hoy, pero que funcionaba a la perfección con el director italiano, pues su forma de trabajar resultaba idónea con la planificación de escenas sobre moods, es decir, Leone se guiaba mas por los tonos que por las técnicas dado que no utilizaba storyboard (dibujos preliminares de las escenas) algo extremadamente difícil de hacer, pues la película la realiza el director en su cabeza, Hitchcock, por ejemplo, usaba esta misma técnica.

A Morricone se le encargó componer un tema para cada uno de los personajes lo cual resulta perfecto para crear la atmósfera que Leone quería plasmar en la pantalla, cada personaje, incluso los secundarios, eran de extrema importancia para el director, así como cada uno de los escenarios, coreografías y movimientos de cámara, para Leone todo tenía un significado.

En Érase Una vez En El Oeste Leone utiliza todos los elementos que tanto éxito le habían dado un par de años atrás (close up’s extremos, tomas abiertas, diálogos concisos, violencia retardada, etc.) que, curiosamente, en esta nueva cinta no sirvieron para convencer a los productores, desde el momento que la película cayó en manos de la gente de Paramount esta fue mutilada y mal distribuida por su, según ellos, lentitud y larga duración, lo que le dio al Italiano mala fama con los ejecutivos de Hollywood y retrasó 10 años su proyecto de gangsters.

Hoy, no hay duda alguna de que Érase Una Vez… es un clásico en toda regla y con elementos suficientes para instalarse en la memoria colectiva, Leone tuvo la intención de crear una cinta homenaje a su género favorito al tiempo de cerrar un círculo que iniciara poco tiempo antes pero que tomó por sorpresa al mundo y lo logró, tal vez no en ese momento en el que la película fue subestimada, pero si con el paso del tiempo, cuando las nuevas generaciones la redescubrieron.

Érase Una Vez En El Oeste es cine hecho por gente que ponías sangre y sudor en cada una de sus tomas para llevar a la pantalla historias que traspasaran el tiempo y Leone era el artesano mayor en este arte, algo que por desgracia está en vías de extinción.

Breve Historia Del Cine De Terror

El cine de terror sigue siendo uno de los favoritos del público y es que, como mencionábamos anteriormente, el Humano es un ser complejo, con gustos extraños entre los que se encuentran el ser asustado.

La necesidad de sentir miedo, sudores fríos y taquicardias lo han llevado a utilizar medios como el cine para generar estas reacciones tomando el lugar de las noches de cuentos de horror alrededor de una hoguera, como en los viejos tiempos.

Cuando vemos una buena cinta de terror dejamos escapar todas nuestras tensiones que la vida cotidiana a veces más terrorífica que cualquier película de espanto que veamos.

El cine de Terror nace como género cinematográfico a la par de otros géneros emblemáticos del séptimo arte como el Western y la Comedia y sus orígenes se remontan a los primeros años del siglo XX en, no podría ser de otra manera, Europa, concretamente Alemania.

Ahí se realizaron algunos de los primero Hits de la historia como El Golem (Der Golem Wie Er In Die Welt Kam) (1920) una adaptación que Paul Wegener realizó de la novela de Gutav Meyrink así como Nosferatu (1922) cinta en la que Friederich W. Murnau realiza una adaptación libre del Drácula de Bram Stoker al no poder conseguir los derechos de la misma.

Hacia la década de los 30’s el cine de terror comienza a tomar forma e invade Hollywood, ahí los productores, en especial los de Universal Pictures, visionaron los alcances del género en el ámbito popular y lanzaron una serie de películas donde revivieron personajes literarios clásicos como Frankenstein, Drácula, El Hombre Invisible, El Monstruo De La Laguna, El Hombre Lobo, entre otros.

Así estos monstruos pulularon las pantallas de plata durante más de una década con rostros legendarios como los de Boris Karloff, Bela Lugosi, Lon Chaney Jr., entre otros, hasta que el género vivió una pequeña crisis a mediados de la década de los 50’s ya que los temores de la gente de la época se hicieron mas complejos y los monstruos clásicos comenzaron a sentirse avejentados.

Aprovechando esto, la productora Británica Hammer Filmes decidió reelaborar estos mitos y darles un toque modernista, agregando mas dosis de violencia y erotismo, de esta época el rostro más reconocido fue el de Christopher Lee, quien encarnó a casi todos los seres de la vieja guardia. Mientras tanto, en Estados Unidos comenzó a surgir una camada de realizadores que se alejaban cada vez más de los convencionalismos para brindar al público nuevas dosis de miedo.

Adaptándose a los temores modernos y con el nacimiento del asesino psicópata cinematográfico a principio de los 60’s, concretamente con la cinta Psicosis (1960) de Alfred Hitchock, el cine de terror buscaba nuevos terrenos donde sembrar la semilla del miedo en las nuevas generaciones que, ávidas de nuevas experiencias, buscaban un escape a su cotidianeidad.

Así nacen cintas que marcaron de muchas maneras y tendencias a los espectadores y, desde luego, al género, moldeándolo hasta convertirse en lo que ahora conocemos, ejemplos como La Caída De La Casa Usher (Roger Corman, 1960),The Innocents (Jack Clayton, 1961), The Haunting (Robert Wise, 1963) y The Birds (Alfred Hitchock, 1963) que inauguró las cintas sobre ataques de animales contra el hombre, son cintas que marcaron a las nuevas generaciones de cineastas.

A finales de los 60’s, concretamente en 1968, un año lleno de cambios y nuevos aires, se realizan dos cintas claves del género, la primera una primigenia y terrorífica cinta titulada La Noche De Los Muertos Vivientes dirigida por un joven director con más ganas que recursos llamado George A. Romero.

Con un presupuesto de 114 mil dólares, Romero aterrorizó a una audiencia que fue sorprendida con está cinta sui géneris y de la cual aún muchos que la han visionado tienen horrendos recuerdos, en el buen sentido de la frase, además de revolucionar argumentalmente el cine de la época La Noche De Los Muertos Vivientes se convirtió en todo un fenómeno que aún repercute en la cinematografía actual.

La otra cinta que revolucionó el cine de horror en ese maravilloso 1968 fue Rosemary’s Baby (conocida en México con el original nombre de La Semilla Del Diablo) y dirigida por el Polaco Roman Polanski, basada en la novela de Ira Levin, Rosemary’s Baby inició una serie de películas en las que el terror ya no venía del espacio exterior o de seres de ultratumba, sino del mismo infierno.

Luego del nacimiento y la primera señal de debilitamiento a mediados del siglo XX, el cine de terror pareció tomar nuevos bríos para instalarse de manera más contundente en la memoria colectiva y repercutir de manera decisiva en los nuevos realizadores. Concretamente es 1968 un año importante para el género con el nacimiento de dos cintas de vital importancia como son La Noche De Los Muertos Vivientes (George A. Romero) y El Bebé De Rosemary (Roman Polanski)

Mientras que la primera es un primitivo ejercicio de estilo realizado con el ingenio que la falta de presupuesto económico suele crear, la segunda era una elaborada y estilizada historia en la que su director hace una alegoría a la amalgama entre la inocencia y la maldad más pura.

En esta cinta el horror viene de la figura más cándida, más dulce, esa de la cual uno nunca se imaginaría que naciera el enemigo número uno de la humanidad, el mismísimo Satanás. Con el enorme éxito de las cintas de Romero y Polanski comenzaron a gestarse películas con un nuevo tipo de horror, más ligado al Gore y a lo demoníaco en la que los personajes se encontraban de repente en una vorágine de terror y angustia.

El primero, el Gore, se refiere al cine en el que la violencia, la sangre y las viseras suelen convertirse en elemento clave dentro de la cinta, si bien es cierto este sub género no es del gusto de todos, no hay que perder de vista que el buen Gore tiende a los excesos y es un género muy relativo, incluso hay quien considera a La Pasión De Cristo (2004) de Mel Gibson una cinta Gore por el exceso de violencia y sangre mostradas.

De esta tendencia del cine sangriento, duro, sin concesiones, oscuro y retorcido nacen cintas emblemáticas del género durante los siguientes años, siendo la más representativa La Matanza De Texas (1974) del director Tobe Hooper y cuyo título original (The Texas Chainsaw Massacre) hace referencia a la sierra de cadena utilizada por Letherface (cara de cuero) para desmembrar a sus víctimas.

Curiosamente la cinta de Hooper, realizada con la ridícula cantidad de 14 mil 200 dólares y un grupo de amigos, no tiene excesos de violencia o visuales, pero la sola idea de ser descuartizado de esa manera es lo suficientemente espantosa como para considerarse una de las grandes joyas del cine de terror y una de las cintas más redituables de la historia.

No obstante el mensaje de la cinta, muestra del desprecio por la sociedad marginada e inadaptada de los Estados Unidos dejada de la mano de Dios y que utiliza al prójimo como alimento, es lo que trasciende de manera viceral la conciencia colectiva, mas aún tratándose de una historia cimentada en hechos reales, Letherface está basado en Ed Geine uno de los asesinos psicópatas “reales” más conocidos.

Por el otro lado la tendencia hacia el cine demoníaco iniciado por El Bebé De Rosemary se convirtió en todo un subgénero que dominaría los siguientes diez años en los que el príncipe de las tinieblas tendría un papel importante en cintas como La Profecía (Richard Donner, 1976) y la cinta considerada como una de las más espantosas de la historia: El Exorcista (William Friedkin, 1973) Basada en la novela homónima de William Peter Blatty, el Exorcista plantea de manera cruda la encarnizada lucha entre el bien y el mal en la figura de una inocente niña poseída por un ancestral demonio de nombre Pazuzu y contaba con algunos de los efectos visuales y de sonido más espectaculares que, a la fecha, siguen causando terror a quien visualiza esta perfecta pieza de terror. Alejandose de los demoníaco, mas no de los sobrenatural, en 1976 el director Brian de Palma realiza Carrie, adaptación al cine de la primera novela de Stephen King, en la que realiza una alegoría a la inocencia y la pérdida de esta, convirtiendo a una inocente y tímida niña-mujer en una asesina despiadada que al no aguantar mas las burlas de sus compañeros decide tomar justicia por su propia mano de manera sangrienta.

Llena de referencias religiosas y sexuales, así como uno de los finales más cardiacos de la historia, Carrie se convirtió en un éxito mundial que llevó a las salas de cine a personas que buscaban un nuevo tipo de terror, aunque hoy podría estar un poco pasada de moda, esta cinta sigue causando, entre los que la visionan esa sensación de angustia tiene desde el día que se estrenó.

No obstante estas cintas de horror comerciales y buena factura comenzaron a surgir realizadores que con más ganas que recursos económicos hacían sus esfuerzos por llevar a la pantalla su particular visión del miedo, el caso de Tobe Hooper y su Masacre De Texas no fue un caso aislado, ya que por esa época comienzan a surgir cintas de manufactura similar que pronto vuelven a debilitar al género.

A finales de los 70’s se hace la luz, o la oscuridad, y surge de entre las tinieblas un nuevo tipo de terror que salpicaría de sangre las pantallas del orbe con una serie de personajes que aterrorizarían a una nueva generación ávida de un nuevo tipo de terror: el Slasher.

Durante los 70’s el cine de terror vivió cambios importantes que aún hoy en día siguen repercutiendo, en las carteleras comenzaron a aparecer cintas de muy buena factura y otras mas apegadas a causar miedo desde una perspectiva más primitiva.

Hacia finales de esta década surge otro tipo de terror, concretamente 1978 es el año de Halloween, piedra angular del género en la que el director John Carpenter pone el terror esperando detrás de la puerta de nuestra propia casa, así nace Michael Myers el primer psicópata con pacto con el diablo y que fue el primer asesino que se levantaba después de ser acuchillado, golpeado, disparado, electrocutado, y un largo etcétera, siempre implacable con su gran cuchillo de carnicero que da nombre a este subgénero: el Slasher.

El Slasher hace referencia onomatopéyica al cuchillo entrando a la carne y Halloween inaugura esta tendencia hacia cintas en las que los protagonistas son jóvenes que son asesinados uno a uno por un homicida despiadado, cintas llenas de sangre, violencia y altas dosis de sexo.

Este subgénero toma partido durante toda la década de los 80’s con cintas de dudosa calidad como Viernes 13 (y sus interminables secuelas), Cumpleaños Sangriento, San Valentín Sangriento entre muchas otras en las cuales los festines de sangre y desnudos gratuitos eran los principales atractivos, de esta época sobresalen, no obstante, ciertas películas que logran salvar el género durante esta parte de su historia con un buen número de sustos,

En 1979 y valiéndose de una serie de recursos que nada tenían que ver con lo económico, sino mas bien apegados al ingenio, el director Ridley Scott nos adentra en el terror a millones de años luz de la tierra en Alien, subtitulada en México como Alien: El Octavo Pasajero.

Mezclando ciencia ficción y el terror más puro, Scott realiza con Alien un análisis de los miedos del ser humano en un ambiente claustrofóbico en el que no había para donde correr y cuya frase publicitaria encerraba todo el meollo del asunto: En el espacio nadie te oye gritar.

Con una mezcla de trucos fotográficos y de maquillaje, Landis realiza la que sigue siendo considerada como la mejor transformación de un hombre lobo de la historia del cine, en una época en la que los efectos digitales eran cosa del futuro, e instala dicha escena en la imaginería colectiva, algo nada sencillo.

En 1984 y con un despliegue de horror onírico, el director Wes Craven realiza Pesadilla En La Calle Del Infierno, obra primordial de la cinematografía terrorífica y que presentaba a uno de los personajes iconográficos del Género: Freddy Kruger, quien con su guante de cuchillas sembraba el terror en el mundo de los sueños donde era amo y señor, hoy en día Kruger sigue siendo reconocido como uno de los personajes más emblemáticos no solo del cine de terror sino de la cultura popular norteamericana en si.

Otras cintas fundamentales de los 80’s son: Aullido (Joen Dante, 1981), Poltergeist (Tobe Hooper, 1982), La Cosa (John Carpenter, 1982), La Mosca (David Cronenberg, 1986), Re-Animator (Stuart Gordon, 1985), La Serpiente Y El Arcoíris (Wes Craven, 1987) entre otras. Entrados los 90’s, la tendencia seguía hacia el cine de terror cuya manufactura resultaba gastada y tediosa, así el género llegó a vivir su segunda crisis que, no obstante, dio vida a una de las cintas más importantes de fin de siglo.

Fue el padre cinematográfico de Freddy Kruger quien en 1996 realiza Scream, cinta en la que se hace un interesante análisis del género, con una mezcla de parodia y homenaje que se ganó al público de la época y que a la fecha no ha sido superada, incluso por su creador.

En Scream se dan cita los clichés del cine de terror, sobre todo del cine Slasher, tomando como base principal el Halloween de Carpenter, y se evocan a una historia en la que lo mejor y lo peor del horror se dan cita logrando con esto un enorme éxito sobre todo entre los jóvenes.

Así, Scream abre un nuevo subgénero, el Terror Adolescente, que abundaría la siguiente década con cintas insulsas de manufactura industrializada como: Sé Lo Que Hicieron El Verano Pasado, La Maldición, Halloween 20 (H20), La Casa De Cera, Destino Final y demás cintas realizadas para causar el susto momentáneo, pero hasta ahí.

No obstante al otro lado del mundo, concretamente en Japón, se comenzaba a gestar otro tipo de cine de horror, mucho más apegado a las pesadillas perturbadas del ser humano que al simple susto, pero de este hablaremos en nuestra siguiente entrega en la que concluiremos esta breve historia del cine de terror.

Con la llegada del nuevo siglo, el cine de terror tomó nuevos rumbos, no obstante seguiría la tendencia dejada por el género durante la década anterior, sobre todo con dos cintas claves; El Proyecto De La Bruja De Blair (Daniel Myrick y Eduardo Sánchez, 1999) y El Sexto Sentido (M. Night Shyamalan, 1999)

La primera era una aproximación al terror psicológico con cubierta de falso documental la segunda una exploración a lo sobrenatural con un sabor a cinta romántica sin romance y final sorpresivo que agarró desprevenido a mas de uno.

En La Bruja De Blair, los directores Myrick y Sánchez utilizan por primera vez una herramienta que hasta la fecha será una de las grandes bases para hacer de cintas pequeñas, al principio, grandes éxitos comerciales, nos referimos al Internet.

A través de este medio los creadores comenzaron a divulgar la idea de que lo que salía en la cinta era verídico, y aunque no fue así muchos de los que la vieron estaban convencidos de que todo era real y convirtió a La Bruja De Balir en la cinta más taquillera de ese año y una de las mas redituables de la historia, pues sólo costó 22 mil dólares y recaudó mas de 80 millones.

La historia de El Sexto Sentido fue diferente, Shyamalan un joven escritor Hindú-Americano cuyos antecedentes más directos eran el guión de Sturart Little, sorprendió a propios y extraños con una cinta que, si bien no era propiamente de terror, sus elementos sobrenaturales y fantasmagóricos la colocan como una cinta con ciertos aspectos aterradores.

No obstante estos dos éxitos taquilleros el género parecía seguir estancado, a excepción de uno que otro destello en la oscuridad el cine de terror hasta la fecha sigue estando en una especie de estado comatoso.

Pero no todo está mal, desde finales de los 90’s se comenzó a ver una oleada de cintas de terror de manufactura asiática, sobre todo japonesas y chinas, que con la llegada del nuevo siglo comenzaron a proliferar en los mercados occidentales y se comenzaron a escuchar nombres como Kiyoshi Kurosawa, Takashi Shimizu, Ahn Byeong-ju, Hideo Nakata o Takashi Miike.

Los asiáticos tienen una forma muy particular de ver la muerte y esas cosas que nos dan miedo, por lo que su cine resulta curioso, cuando menos, a los ojos de los occidentales, y raros, casi bizarros, por lo que sus cintas resultan verdaderos festines de horror.

El Ojo, El Aro, Una Llamada Perdida, Agua Turbia, Audition, La Maldición, en fin, cintas diferentes que dieron al género un nuevo aire y que irremediablemente han sido mutiladas por la maquinaria de Hollywood por su flojera a leer subtítulos y a Americanizar todo, por lo que la recomendación es ver las versiones originales.

En este nuevo siglo ha proliferado otro subgénero del terror, el Gore, la tendencia es mostrar gráficamente desmembramientos, destripamientos y demás “delicias” que la audiencia de hoy en día parece querer mas y mas.

Así hemos visto la pantalla mancharse de rojo en mas de una ocasión con cintas como Saw (James Wan, 2004) y que ya va por su 6ta parte y Hostal (Eli Roth, 2005) cintas en las que la violencia física y el horror encuentran una nueva amalgama para que el espectador, ávido o no de sangre, sea testigo de las atrocidades físicas más despiadadas que ha dado el cine, y aunque el Gore no es precisamente un género nuevo, si ha encontrado gracias a estas y otras cintas similares, un nuevo público, sobre todo entre los jóvenes quienes religiosamente acuden al cine a presenciar este tipo de cinematografía sangrienta.

Hoy en día, el cine de horror parece encontrarse estancado, pocas cintas de reciente manufactura se pueden considerar con la suficiente calidad para decir que son medianamente buenas, las cintas de rigor están ahí cada año para sacarnos uno que otro susto, el problema es que no se sale de ahí.

Si bien el de terror es un género que difícilmente desaparecerá, pues sigue generando ganancias a nivel mundial, el verdadero cine de horror sigue de capa caída, no obstante, como siempre, siguen existiendo las excepciones, curiosamente ahora del viejo continente, pues en Europa ha estado creciendo últimamente, sobre todo en España.

Es en este país donde se ha generado una nueva oleada de cine de terror sobre todo con directores como Jaumé Balagueró, Paco Plaza, Guillermo del Toro y el que inició todo con Los Otros (2001) Alejandro Amenábar.

Títulos como Darknes, Los Sin Nombre, El Espinazo Del Diablo, Historias Para No Dormir, El Orfanato o la recientemente reseñada en este espacio Rec, han venido a dar al cine de horror otro perfil más fresco y original que por desgracia muchas veces no llegan a las pantallas de nuestro país y, mucho menos, a las de nuestra ciudad.

El cine de terror es un género de verdadero alcance mediático, el género de culto por antonomasia que a pesar de sus altibajos siempre ha estado ahí y seguramente seguirá estando porque, como ya dijimos, el hombre es un ser curioso, al que le gusta asustarse y mientras no cambie esa condición seguirán existiendo cintas de terror.

Rec: Terror A La Española

El terror es uno de los géneros más populares del cine, la cosa es que a los seres humanos, como parte de todas nuestras complejidades, nos gusta que nos asusten, sentir el sudor frío, la taquicardia y que se nos ponga la “carne de gallina”, luego pegar el brinco y comernos las uñas para al fin darnos cuenta de que sólo fue una película.

Y dado que estos meses son los ideales para acercarnos a ver una película de miedo, los estudios se deciden por esta época para lanzar sus propuestas en este género, así llega a nuestras pantallas, con un año de retraso pero al fin realidad, una de las cintas más espeluznantes de las que este humilde cinéfilo recuerda, me refiero a Rec (Paco Plaza Y Jaume Balagueró, 2007)

Pero vayamos por partes, en primer lugar hay que decir que Rec es una producción española de la misma compañía que nos trajo Kilómetro 31 (Rigoberto Castañeda, 2007) Filmax, y que se ha avocado a realizar películas de gran calidad tanto en España como en Latinoamérica.

En segundo lugar Rec es una cinta sui géneris, realizada con verdadera devoción, llena de detalles y mas avocada a transmitir tensión que a asustar, aunque créanme que cuando los digo que da miedo, da miedo y seguramente despegarás mas de una vez tu cuerpo del asiento con uno que otro brinco en la butaca.

¿Pero de que trata?, la verdad es que hay películas a las que se debe asistir sin saber mucho de la trama y esta cinta es una de ellas, comienza como la grabación de un programa televisivo titulado Mientras Usted Duerme y seguiremos a una reportera durante la grabación del show en una estación de bomberos en “perspectiva”, es decir, como si nosotros fuéramos el camarógrafo.

Las cosas están de lo mas tranquilas hasta que se recibe una llamada de auxilio y la reportera y su camarógrafo se suben a la bombera en dirección de un viejo edificio de departamentos y… hasta ahí les contaré porque, como ya expliqué, lo mejor es ir a verla sin mucha información sobre la trama.

Rec es realización de dos de los cineastas españoles más importantes de los últimos años, Paco Plaza y Jaumé Balagueró, ambos reconocidos realizadores del género de terror que han sabido explotar con maestría a lo largo de su carrera, subiendo de calidad cada uno de sus filmes.

Los comienzos de ambos cineastas han sido de los más humilde y se han convertido en lo más sublime, sus obras anteriores tienes ciertos errores que, no obstante, ambos han aprovechado para aprender de ellos.

Rec no es una cinta perfecta, tiene algunos errores aunque tampoco son serios, digamos que técnicamente es muy buena, mas no excelente, la tensión, el miedo y la taquicardia están ahí, y al fin de cuentas es lo que se busca: Asustar, y Rec lo logra.

De Paco Plaza podemos mencionar cintas como El Segundo Nombre (2003) y Cuento De Navidad de la serie Historias Para No Dormir (2006) hecha para la televisión, pero con una alta calidad cinematográfica, Rec apenas es su tercer largometraje.

Por su parte Jaume Balagueró al igual que Plaza tiene poca experiencia cinematográfica, pero de gran calidad, ha dirigido cintas como Los Sin Nombre (1999) todo un hit en España, Darkness (2002) y la estrenada hace poco en el país Frágil (2006)

Estos dos jóvenes cineastas españoles han sabido, a base de trabajo y esfuerzo, sacar adelante un género que en últimas fechas parece haber decaído bastante, mientras que la maquinaria de Hollywood nos invade con películas insulsas y francamente mas parecidas a bromas que cintas de terror, este par de geniecillos nos ponen realmente en aprietos, pues con un estilo crudo, directo y sin miramientos simplemente nos asustan, y eso hay que agradecérselos.

El gran mérito de la cinta es el logro que los directores tienen al invitar al espectador a explorar lugares lúgubres donde el terror está, literalmente, entre las sombras, con un tono de documental, una falsa realidad que adentra a los que ven la película a las entrañas del miedo junto con los protagonistas y una vez adentro los directores pueden hacer lo que sea con los espectadores.

Por eso les digo de que da miedo, mucho miedo, así que estén atentos porque no estamos ante Scream o Sé Lo Que Hicieron El Verano Pasado y demás propuestas seudo terroríficas que dan mas risa que susto, aquí la cosa es causar miedo y este par de españolitos no se tientan el corazón para hacerlo.

Por cierto, hay que avisar dos cosas, la primera, si eres de los que no les gustan las cintas en perspectiva, es decir, como si fuera un documental estilo El Proyecto De La Bruja De Blair (Daniel Myrick & Eduardo Sánchez, 1999) o Cloverfield (Matt Reeves, 2008) con movimientos de cámara a veces borrosos y confusos, entonces Rec no es para ti, porque seguro saldrás mas mareado que asustado de la sala, evítate la molestia.

Dos, no vayas a verla solo(a), mejor invita a tu amiga(o) o a tu novia(o) para que ambos se den un buen susto y puedan decir que vieron una de las mejores cintas de terror de los últimos años… suerte y que tengan buenos sustos.

“Se Busca” Fin Del Verano 2008

El verano llega a su fin, con el termina lo que podríamos llamar la guerra de los blockbusters, una cruenta y despiadada batalla en la que las distintas casas productoras Hollywodenses se dan con todo con tal de obtener las mayores ganancias financieras alrededor del mundo.

Así las cosas, luego de ver grandes cintas y otras francamente decepcionantes el fin del verano llega y con el un pequeño descanso de estas cintas cargadas de efectos y hechas con una sola finalidad: ganar mucho dinero.

Precisamente me dispuse a ver la nueva cinta de Timur Bekmambetov, escritor y director de las conocidas en México “Guardianes De La Noche” y “Guardianes Del Día”, con un cierto dejo de desconfianza, sobre todo tratándose de una cinta cuyo trailer (es decir los cortos que ponen antes de cada película) que parecía excesivamente común.

Pero a veces la cosa es que simplemente uno se equivoca y termina presenciando el evento que cierra con broche de oro el verano.

La cinta está basada en la novela gráfica de Mark Millar's y cuenta la historia de Wesley Gibson (James McAvoy, el fauno de “Las Crónicas De Narnia”) un típico looser (perdedor) cuya única finalidad es el ser siempre humillado en un trabajo que odia y que su novia lo engañe con su mejor amigo, un típico ejemplar de la vida postmoderna.

Un día, Wesley recibe la vista de una misteriosa dama, resulta ser Fox (Angelina Jolie) una asesina al servicio de Sloan (Morgan Freeman) y una sociedad de tejedores milenaria dedicada a asesinar a los indeseables del mundo llamada simplemente “La Fraternidad”.

Si la trama parece no ser muy complicada, no hay que dejarse engañar, pues bajo la superficie se encuentra una historia con suficientes vueltas de tuerca, personajes atormentados, acción inteligente y uno de las persecuciones más adrenalínicas que hemos presenciado. El hecho de que los personajes puedan hacer que una bala le saque la vuelta a lo que pueda estorbar a su objetivo al principio puede parecer ridículo, pero una de las bazas de la película es de hecho que los personajes no son precisamente normales.

Lo curiosos del filme (y por ende de la novela gráfica) es que se desarrolla en un mundo en el que los héroes no tienen cabida, un mundo dominado por la oscuridad y la maldad en el que ser bueno o malo es irrelevante, simplemente hay que sobrevivir.

Así, descubrimos una gran afinidad con el personaje principal y con la búsqueda que emprende, que sólo es el comienzo de algo más grande que tiene en su interior y que simplemente quiere sacar, algo que, a nuestro entender, es la parte medular de la película, sin esta esencia simplemente sería la típica película de acción sin sentido.

Si bien es cierto que la principal referencia a este tipo de cine, ese que trata de encontrar la reflexión a través de los disparos y explosiones, no es nuevo, la referencia directa sería “The Matrix” (1999) filme del cual “Se Busca” bebe en ciertos puntos, hay otras cintas que parecen ser referente directo para esta nueva cinta.

Así encontramos retazos de películas como la mencionada “Matrix” y de “Fight Club” (1999) así como de series televisivas de culto como “Alias” y “Héroes” entre muchas otras influencias. A pesar de eso, “Se Busca” es fresca y encuentra su propio lugar en el mar de cintas cuya única finalidad es entretener, así la película de Bekmambetov sobresale del resto de las cintas veraniegas por la simple razón de ser distinta al resto, de tener voz propia y e incluso entregar un discurso por de más crudo y desgarrador sin ser pretenciosa o aleccionadora.

En cuanto a la participación de Angelina Jolie en el filme, que no nos hagamos es una de las razones por la que muchos caballeros irán al cine a ver esta película, les diré que la señora de Pitt tiene un papel memorable como Fox, una inmutable asesina despiadada que hace las veces de maestra y mentora de Wesley, un papel frío y calculado sin caer en la típica femme fatale.

Si hay un punto en contra en “Se Busca” es la evidencia por dejar la historia lo suficientemente abierta para realizar las inevitables secuelas, esperamos que las cosas se queden como están, pues como es sabido muchas de estas secuelas sólo sirven para darnos cuenta de que la primera parte sólo fue un golpe de suerte.

Para finalizar no está de más aclarar que la cinta tiene violencia explícita por lo que la hace no apta para mayores de 15 años, aunque ahora los chamacos estén expuestos a la misma cantidad de violencia en la televisión, no obstante nunca está de más ser precavidos.

Los Expedientes Secretos X: Quiero Creer... Que Es Una Buena Película.

La televisión de la década de los 90’s es pieza clave para comprender el fenómeno televisivo de los últimos años, sin lugar a dudas series como “E.R.”, “Buffy La Caza Vampiros” “Baywatch”, “Friends” e incluso “Los Simpson” son series que nacieron durante esta década y hoy en día siguen siendo referencia obligada para los amantes de la pantalla chica.

Sin embargo, al hablar de series de Culto de los 90’s en realidad la lista se reduce a un puñado, entre las que podemos mencionar “Twin Peaks” (1990 – 1992) obra del genial David Lynch y que, incluso hoy en día, sigue generando análisis y controversia y, para muchos, la madre de la serie moderna.

Otro de los programas televisivos que se puede considerar de Culto es “Los Expedientes Secretos X”. Creada por Chris Carter, un productor que hasta 1992 no había tenido éxito produciendo series que no pasaban de pocos capítulos y que fue precisamente en ese año que dio con el filón.

Con una mezcla entre la ciencia ficción, investigación paranormal, thriller, intriga política entre otros, Carter consiguió que la Twentieth Century Fox Televisión le aceptara una temporada, aún con cierto escepticismo, pues esta mezcla de géneros, ahora por demás usual, hace casi 20 años era algo prácticamente revolucionario.

No obstante la poca confianza del estudio por el trabajo del productor, “Los Expedientes Secretos X” o “X Files” (como los llamaremos a partir de aquí) se convirtieron en todo un fenómeno mediático en el que la gente se sumergía semana a semana, muy similar al vivido hace un par de años con “Lost”.

Y es que “X Files”, con todo y su enredosa trama, contaba una historia sui géneris dentro del universo televisivo en el que el conflicto emocional de los personajes se entretejía con una trama de conspiración gubernamental, alienígenas y hechos paranormales que eran esperados por sus seguidores casi de manera religiosa.

Sin embargo, como dice el dicho, todo por servir acaba, y los “X Files” terminaron luego de nueve temporadas, algunas buenas otras no tanto y una película en 1997 que decepcionó a mas de uno, hoy, a seis años de su cancelación y a nueve de la cinta mencionada, Carter nos ofrece una nueva entrega cinematográfica que muchos consideraban que nunca se realizaría.

Bautizada como “X Files: I Want To Belive” o lo que es lo mismo “Los Expedientes Secretos X: Quiero Creer”, yo quería creer que esta nueva entrega de las aventuras de Fox Mulder y Dana Scully sería espectacular y fuera de este mundo, sin embargo la cosa fue prácticamente lo contrario: decepcionarte.

Y no me refiero a que la cinta sea mala, cumple cabalmente con los estándares de producción y guión para decir que está sobre la media de cualquier película del género, no obstante, como espectador digamos, adentrado en el universo de los “X Files” la cosa no es tan sencilla.

En esta entrega el guión se alejada de la intriga política y del tema extraterrestre que caracterizaron a la serie y que era parte fundamental de la misma, no obstante esta nueva cinta parece mas uno de los capítulos ajenos a tales intrigas y que, según sus fans, eran los mejores. Así, lo que se antojaba como un regreso rimbombante, fastuoso se desinfla conforme la cinta avanza y nos damos cuenta de que lo que estamos presenciando no es otra cosa que algún guión reciclado de la serie televisiva o algo que Carter escribía para alguna serie piloto, pero no para el cine.

La cinta es entretenida y tiene los puntos necesarios para intrigar y mantener al espectador sin creer que fue engañado, pues los giros de tuerca no son forzados y la trama avanza firmemente, la personalidad de los personajes está intacta, ahí está el escepticismo de Scully y la obsesión de Mulder por descubrir la verdad, ahí están los conflictos emocionales, la inseguridad y la búsqueda de la fe, temas, todos ellos, explotados en algún punto de los nueve años que duró la serie y que, no obstante, simplemente parece que no llegan a satisfacer al que conoce de donde vienen los personajes, en otras palabras es más de lo mismo.

Por eso “X Files: I Want To Belive” no cumple y a la vez si, pues el espectador advenedizo de la serie tiene la oportunidad de disfrutar la película sin ningún tipo de “contaminación” y tal vez la disfrute mas.

Si en cambio sabes de qué va la cosa, es decir, si eres fanático o de perdida conoces las bases de la serie, esta película te decepcionará. Al menos se puede considerar como una curiosidad dentro de la serie misma, estás avisado.

“Hellboy II: El Ejército Dorado” Imaginación A Raudales.

“Se levanta en el mástil mi bandera, como un sol entre céfiros y trinos, muy adentro en el templo de mi veneración, oigo y siento contento latir mi corazón…”

Hace unos días se corrió la noticia de que la bandera Mexicana es “La Mas Bonita Del Mundo” (según una encuesta realizada por un importante diario español) y no puedo negar que sentí un gran orgullo, ese que se siente cuando uno sabe algo que, de repente la gente por fin reconoce.

El amor por la patria es algo que nos enseñan desde pequeños, venerar y respetar un símbolo como lo es nuestra bandera es algo con los que los mexicanos crecemos y con lo cual nos identificamos como hermanos de raza.

El amor por lo nacional, por lo que sabe a México es único entre nuestra gente, porque pocas culturas tan fieles a la patria como la nuestra, con sus colores, olores y sabores, lo que hace que todo mexicano se siente orgulloso de serlo.

Y fue precisamente mucho orgullo el que volví a sentir el otro día, cuando me enteré de que el Mexicano Guillermo Del Toro fue el elegido, entre muchos otros aspirantes, a dirigir la adaptación cinematográfica de “El Hobbit” importante obra de J.R.R. Tolkien y el siguiente gran proyecto del Neozelandés Peter Jackson (director de la afamada trilogía “El Señor De Los Anillos”)

La aventura de “El Hobbit” será entregada en dos películas (2010 y 2011 respectivamente) con un presupuesto total de 150 millones de dólares, toda una ganga para los productores involucrados, según se augura.

Obviamente mi alma Mexicana y mi cerebro cinéfilo le dan todo el apoyo y la confianza al gordo Del Toro en esta empresa, nada sencilla, pero de la que estamos seguros saldrá airoso, ¿Por qué estamos tan seguros?, bueno, porque se trata de un Mexicano, y en eso de domar los problemas somos expertos.

Pero fuera de analogías, Guillermo Del Toro está pasando por una de sus mejores etapas, en el sentido cinematográfico, esto queda demostrado en la última entrega de este genial director, nos referimos a su actual trabajo en cartelera titulado “Hellboy 2: El Ejército Dorado” en la cual el Jaliciense no regala un increíble viaje a través del mundo de lo fantástico.

Con una variedad de trucos técnicos y argumentales, Del Toro nos lleva de la mano con una aventura épica, donde sobresale un sentido del humor muy peculiar y una variedad de seres y situaciones que sobrepasan, con mucho, la calidad cinematográfica de la primera parte.

Y todo esto realizado con un presupuesto realmente irrisorio, mientras que “Hellboy 1” costó 70 millones esta segunda parte fue realizada apenas con 15 millones mas, y aún así pareciera que el costo total rebasa, cuando menos, el doble, y es que una de las cualidades de Del Toro es mostrar en la pantalla mucho mas que el costo de la película, es decir, que le saca jugo a cada uno de los dólares invertidos en sus proyectos, cosa que no es nada sencillo en una industria tan demandante como la cinematográfica.

Fue en el 2007 en el que cambiaría por completo la carrera de Del Toro, al llevar a buen puerto el proyecto de “El Laberinto Del Fauno”, convirtiéndose en la película de habla no inglesa mas taquillera en Estados Unidos el año pasado y una nominación al premio de la Academia como mejor película extranjera.

Aún así, todas las expectativas en la secuela de “Hellboy” estaban mas hacia el lado de lo irrealizable, pues la primera entrega no fue muy bien recibida por la taquilla, no obstante su lanzamiento en DVD fue otro cantar, convirtiéndose en una de las cintas mas vendidas de la historia en este formato.

Ahora, lo que podemos decir de la película en si es simplemente que vale la pena, y mucho, sobre todo por el maravilloso mundo que Del Toro creó para nosotros, lleno de magia y seres mitológicos, aparte la cinta tiene acción y es, de lejos, mucho mas divertida que la primera parte, con chistes mas agudos y diálogos mas ingeniosos.

Aclarado también que aunque la cinta no es precisamente para niños, los mayores de 12 años la disfrutarán a raudales, porque ustedes los adultos salen con el clásico: “Pero es que es pura fantasía…” al final de eso se trata, así que si vas al cine y no sabes a cual entrar, no lo pienses mas, “Hellboy 2” es una buena opción.

Para concluir, hay que decir que por ahora Guillermo Del Toro está ocupado en la preproducción de “El Hobbit” , que esperamos con ansias sea tan épica como “El Señor De Los Anillos” que, aparte de Peter Jackson, solo pudo haber sido realizada por nuestro querido “gordo” en el cual confiamos plenamente.

“Ismael Rodríguez: Retratista De La Idiosincrasia Mexicana”

Pocos lo saben pero cuenta la leyenda que Ismael Rodríguez murió dos veces antes de nacer, aclaro el dato, la pareja Rodrigues Ruelas tuvieron un hijo al que llamaron Ismael, pero este falleció a los dos años a causa de haber caído en un pozo, poco después la pareja tuvo un segundo niño al que volvieron llamar Ismael, este murió a los seis meses a causa de complicaciones respiratorias.

Sin embargo, el 19 de octubre de 1917 nace Ismael Rodríguez Ruelas en la ciudad de México y esta vez su hijo vivió lo suficiente para convertirse en uno de los directores de cine más importantes del país.

A los nueve años emigró con su familia a Los Ángeles, California, donde sus dos hermanos mayores, Roberto y Joselito, desarrollaron un sistema de cine sonoro. Regresaron a México para trabajar en la película “Santa” (1931) de Antonio Moreno, en la que Ismael hizo una pequeña aparición como extra.

Tras realizar distintas labores de tipo técnico Rodríguez debutó como director con la cinta “¡Qué lindo es Michoacán!” (1942) y con sus hermanos, fundó Películas Rodríguez, empresa productora de larga y exitosa trayectoria.

En 1943 codirige la cinta “Mexicanos Al Grito De Guerra (Historia del Himno Nacional)” donde iniciaría una relación artística con otro grande de la pantalla, Pedro Infante a quien llegó a dirigir en 16 ocasiones, siempre aprovechando al máximo los valores histriónicos del Sinaloense.

De esta época son clásico Mexicanos del calibre de "Los Tres García" y su continuación, "Vuelven Los García (1946),” Nosotros Los Pobres” (1947), “Ustedes Los Ricos (1948), "La Oveja Negra y su continuación "No Desearás La Mujer De Tu Hijo (1949) "Sobre Las Olas" (la primer película a color de Pedro Infante) (1950) "A. T. M. A Toda Máquina" y su continuación "¿Que Te Ha Dado Esa Mujer?" (1951) y "Pepe El Toro" (1952) entre otras.

Y es precisamente la trilogía de Pepe El Toro, personaje antonomástico de Infante, donde Rodríguez le confiere a la cinematografía nacional su total apego al melodrama urbano, lleno de personajes y situaciones que poblarían la imaginería y artífice de la Telenovela Mexicana, en donde el héroe, hombre (o mujer) sincero y sencillo, con mas corazón que recursos sale avante de las peores situaciones.

En esta época, Pedro Infante e Ismael Rodríguez crean una de las alianzas más trascendentes de la historia de nuestra cinematografía, porque según palabras de los expertos Ismael crea la figura del Infante mítico, ese que enseña sus emociones a través de su propia existencia.

De esa manera Ismael Rodríguez se convierte en autor de una de las figuras más importantes, no sólo del cine sino de la cultura popular nacional que hoy en día continúa siendo objeto de veneración y parte medular de nuestra cultura, sin Ismael no hay Pedro, sin Infante no hay Rodríguez.

En 1948 hace lo impensable, con una variedad de trucos fotográficos multiplica la figura Infante en la cinta “Los Tres Huastecos” y en 1952 vuelve a realizar lo irrealizable, junta en pantalla a dos de las figuras mas importantes de la cinematografía nacional, Jorge Negrete y su Pedrito Infante en la comedia ranchera de enredos “Dos Tipos De Cuidado”, clásico indiscutible del cine Mexicano.

Con la muerte de Infante en 1957 nace una de las leyendas del cine nacional y parte esencial de nuestra identidad como mexicanos, pero Rodríguez, quien llora amargamente la partida de su amigo, no ceja en el empeño de trabajar en pos de su propia visión artística. En 1961 dirige la que, en nuestro muy particular punto de vista, es su obra maestra: “Los Hermanos Del Hierro”, trabajo fundamental en el que Rodríguez retrata de manera cruda y sin miramientos la figura del hombre entregado a la tierra y a su sangre que no puede desprenderse del lugar en el que está plantado.

Con una dirección firme, hosca, casi rustica, entrelaza la lucha física de los personajes con su propia existencia en una obra maestra que debe ser apreciada por las nuevas generaciones y que desgraciadamente no ha tenido la difusión necesaria como otras cintas de menor valor del mismo director.

Durante las siguientes décadas su calidad cinematográfica decaería de manera vertiginosa con películas entregadas a los temas de moda como el narcotráfico y la picardía con títulos como “Blanca Nieves Y Su 7 Amantes” (1980) o “Hierba Sangrienta” (1986) hasta concluir su carrera con la horripilante (en muchos sentidos) “Reclusorio III” (1996)

No obstante esta caída a Ismael Rodríguez se le considera uno de los artífices de cine más importantes de México, con un prodigioso olfato para el éxito taquillero, Ismael cultivó películas en las que desmarañaba la idiosincrasia de la sociedad Mexicana tanto en el ámbito rural como urbano, Ismael Rodríguez murió a el 7 de agosto de 2004, sin embargo su legado perdurará para siempre.

“Batman The Dark Knight” La Batalla Por La Taquilla 2008

Fue en enero de este 2008 en el que se desató el escándalo cuando se dio la noticia de que Heath Ledger, uno de los actores más prometedores de esta generación, se había quitado la vida en su apartamento en Manhattan.

La noticia cayó como balde de agua helada a los cientos de fanáticos que el Australiano tenía alrededor del mundo y es que en pocos años Ledger se posicionó, a base de actuaciones memorables, en uno de los actores más importantes del momento.

Su increíble actuación en “Brokeback Mountain” (titulada en México con el pretencioso nombre de “Secreto En La Montaña) le valió el reconocimiento y prestigio que muchos actores tardan décadas en conseguir y que le abrió las puertas del olimpo Hollywoodense.

Cuando en el 2007 Christopher Noolan (director de “Batman Inicia”) dio la noticia de que el actor de 28 años encarnaría al famoso villano Joker en la nueva cinta del héroe encapuchado, muy pocos dudaron de la capacidad de Ledger de dar vida a un personaje tan complejo y sui géneris.

No obstante la pérdida del actor le dio un giro dramático al asunto, y morboso de eso no hay duda, que incluso antes de que la cinta saliera al mercado ya había una serie de situaciones que la convirtieron, gracias a este acto, en algo mas que una cinta común y corriente.

Al igual que sucedió con otros proyectos en los que el protagonista o alguien importante del elenco muere, como el sonado caso de “El Curvo” en el que el actor Jason Lee falleció en misteriosas circunstancias en pleno rodaje, el principal problema planteado era: ¿como vender una cinta en la que el actor ya no está?, ¿la gente la irá a ver por que es una buena película o por morbosidad?, ¿al morir el actor se pierden sus derechos de réplica?

Tal vez sean dudas un tanto ambiguas, pero para los estudios cinematográficos que manejan grandes cifras cualquier tipo de inconveniente, sobre todo si se trata del fallecimiento de su estrella, puede resultar de carácter catastrófico, en especial con una franquicia tan importante como la de Batman.

Pero dejando a un lado la fatídica historia de Ledger hay que hablar de la película, para empezar no podemos dejar de hacer esas odiosas comparaciones que, aunque a muchos no les guste, son inevitables, porque hay que nivelar las cosas para poder así resaltar las virtudes y los defectos del trabajo realizado.

Así que: ¿Es una buena película “Batman The Dark Knight”?, la respuesta es definitivamente si, ante la pregunta ¿es mejor esta segunda parte a su predecesora? La respuesta es un rotundo casi.

Si bien Christopher Noolan había dejado en claro cuales serían las reglas a seguir con su “Batman Inicia”, sobre todo en el tono que esta nueva saga adquiriría, podemos decir sin temor a equivocarnos que el mismo Noolan decidió seguir su propio juego y realizar una película que no fuera mejor ni peor que la anterior, simplemente diferente y las diferencias, como bien sabemos, a veces son más importantes.

Situada inmediatamente después del final de “Batman Inicia”, en esta segunda entrega nos encontramos con que, poco a poco, el superhéroe ha ido limpiando Ciudad Gótica, aunque le falten algunos peces gordos que piensa capturar con la ayuda de Harvey Dent, el nuevo y flamante fiscal de distrito, así las cosas hasta que aparece en escena un nuevo villano que, a diferencia de otros, no busca beneficio económico ni venganza, simplemente divertirse haciendo el mal, ese es el Joker.

Es este a grandes rasgos el argumento de “Batman The Dark Knight”, pero vayamos por partes, como dije anteriormente no podemos decir que esta cinta sea mejor que su primera parte, pero también hay que aclarar que “Batman Inicia” no era una mala película, simplemente diferente. A pesar de que mas de uno se quejó de la falta de más escenas de acción, el verdadero valor de la cinta (seguimos hablando de “Batman Inicia”) radicaba en el buen manejo de personajes y la lucha entre el bien y el mal desde el fondo.

La figura heroica, la búsqueda de la paz y la libertad eran, como ha venido siendo desde que el personaje de Batman fue creado, las principales bazas de la película y esta segunda entrega sigue inmensurablemente este camino, incluyendo la espectacular visión de Ciudad Gótica que Noolan tiene.

Así, “Batman The Dark Knight” debe ser vista con ojos benevolentes en el sentido de quien busca la acción desenfrenada, aquí podemos decir que veremos lo mismo que su primera parte pero mejorado, siguiendo, y esto es lo más importante de la cinta, la evolución del personaje que en esta ocasión si tiene claro la finalidad de su lucha.

Para concluir diremos que la cinta es recomendable para los que no hayan visto la primera parte y altamente recomendable para quienes ya la vieron y les gustó, aunque eso está de mas decirlo, en definitiva, ¿es “The Dark Knight” una buena película?, pongámoslo así, mejor que las horribles versiones de Joel Schumacher si, pero aún le falta para superar la genial versión de Tim Burton.

Luis Buñuel: La Mirada Voyerista Del Siglo XX

El 29 de Julio del 2008 se cumplen 25 años del fallecimiento de una de las figuras más emblemáticas de la historia del cine, nos referimos a Luis Buñuel Mucho se ha escrito, analizado y dicho sobre el genio de Aragón, por lo que aquí solamente realizaremos una pequeña reseña a manera de homenaje de este importante figurón.

Nacido un 22 de febrero de 1900 en la pequeña población de Calada, provincia de Teruel en España, Buñuel fue educado desde pequeño en un colegio de Jesuitas, hecho que lo marcaría y le generaría un profundo sentimiento crítico hacia la iglesia.

A los 17 años se traslada a Madrid llegando a residir en la Residencia de Estudiantes de la capital española, ahí conoce al pintor Salvador Dalí así como a otros prometedores artistas de principio de siglo XX que en cierto sentido influenciaron el devenir artístico de Buñuel.

No obstante fue precisamente con Dalí con quien entablaría una amistad que los llevaría a realizar, en Francia, el corto “Un Perro Andaluz” en 1928, cinta que en sus 17 minutos de duración explora de manera ingeniosa y asombrosa las capacidades narrativas del surrealismo.

Con igual fortuna, pero logrando incluso más controversia y rechazo de grupos morales y religiosos, en 1930 dirige “La Edad De Oro”, cinta polémica y provocadora en la que criticaba de manera mordaz a la iglesia y la clase media con una adaptación de “Los 120 Días De Sodoma” del Marqués de Sade, autor del cual Buñuel sentía una especial devoción.

Tras el estallido de la guerra civil, Buñuel se autoexilia en Estados Unidos y tras un breve período en este país se viene a residir definitivamente a México en donde comienza su carrera cinematográfica de manera mas seria realizando en este país el grueso de su obra.

Luego de incursionar el la industria cinematográfica nacional con obras menores que no se diferenciaban de las mediocres producciones nacionales de la época, en 1950 y con todo en contra filma en 22 días “Los Olvidados” pieza clave en la cual Buñuel retrata de manera cruda y sin concesiones la juventud marginal de una ciudad espejo del mundo.

Luego del éxito de crítica, que no tanto de público, el Aragonés dirigió cintas de diversa calidad en nuestro país, entre las que sobresalen el melodrama psicológico “El”, “Nazario” basada en la novela de Benito Pérez Galdós y la emblemática “Ensayo De Un Crimen”.

En 1961 y tras una disputa con su productora en México, Buñuel decide ir a España a filmar, bajo el auspicio del productor Mexicano Gustavo Alatriste quien solo le pide le dé el protagónico a su esposa, la actriz Silvia Pinal, así Buñuel filma “Viridiana”, una obra maestra que se convirtió en un trabajo controversial en su país y que se salvó de ser destruida gracias a la pericia de Alatriste.

Considerada una de las obras cumbres, no sólo de Buñuel, sino de la cinematografía universal, “Viridiana” se estrenó hasta 1977 en España y es hoy en día fiel reflejo de la maestría de Buñuel de retratar satírica y dramáticamente los diferentes estrato sociales que existen.

Luego de “Viridiana” y durante las siguientes dos décadas Buñuel trabajaría de manera alternada entre México y Francia, de esta época son cintas como la maravillosa (y claustrofóbica) “El Ángel Exterminador”, la brillante “Diario De Una Camarera” la ácida y disparatada “Simón Del Desierto” y la delirante “Bella De Día” con su otra musa Catherine Deneuve.

En la última parte de su carrera Buñuel seguiría realizando obras insuperables, sin alejarse nunca se su particular estilo como “La Vía Láctea”, “Tristana” con la que volvería a trabajar en España, “El Discreto Encanto De La Burguesía” que le valdría el premio de la academia de ciencias y artes cinematográficas de Hollywood en la categoría de película de habla no inglesa, “El Fantasma De La Libertad” y “Ese Oscuro Objeto Del Deseo” su último y delirante trabajo.

De carácter fuerte y férreas convicciones ateístas, iniciador de mas que un simple movimiento generacional como el Surrealismo, Buñuel dio al mundo su forma particular de ver la vida a través de una cámara de cine en el que transitan personajes llenos de frustraciones y deseos que cumplen el sueño voyerista del realizador Aragonés.

Con todo, Luis Buñuel es uno de los genios cinematográficos de la historia, creativo y original que sigue siendo un autor enigmático que durante más de seis décadas estableció y rompió normas cinematográficas y narrativas a su antojo, echo que lo estableció como uno de los “Dioses” del Olimpo Cinematográfico.

Su genio queda reflejado en una de sus frases: “El hambre no justifica la prostitución del arte”

Los Sietre Samurais: Epica De Kurosawa

Los "Siete Samuráis" de Akira Kurosawa está dentro de la lista de las mejores 100 películas de la historia, y no es para menos, con ritmo frenético y un despliegue técnico impecable, el director Japonés retrata de manera vertiginosa las aventuras de un puñado de hombres que trasformaron a un grupo de campesinos cobardes en todos unos guerreros defensores de sus pertenencias.

El guión, escrito por el propio Kurosawa, está basado en un cuento tradicional Japonés y es el retrato fidedigno de una época que Kurosawa llevó a su máxima expresión dentro de su propio arte, algo muy parecido con lo que pasó en Italia con Sergio Leone y su “Bueno, Malo Y El Feo”, en el sentido de que se volvieron, cada uno con sus respectivas obras, en prestigiados directores con toda una carrera detrás que, no obstante, no habían tenido el reconocimiento internacional que se merecían y que lograron, cada uno, con sus respectivas películas.

Por eso es importante recordar que Akira Kurosawa no es sólo “Los Siete Samuráis”, así como Sergio Leone no sólo es “El Bueno, El Malo Y El Feo”, sin dejar de lado que ambas cintas son, y de esto no hay lugar a dudas, piedras angulares de la cinematografía internacional.

Akira Kurosawa, conocido también como el Samurái del cine, es, y no hay objeciones, el director mas famoso de Japón gracias a una de las filmografías mas impresionantes de la historia, no obstante a este peculiar personaje se le encasilló en cintas ambientadas en el Japón Feudal, y no es para menos, pues el grueso de su obra está ambientado precisamente en este período, aunque tiene otras cintas importantes que nada tienen que ver con su cine épico, como es el caso de “Vivir”, una dura crítica a la forma de vida de los países industrializados, directamente del Japón de la post guerra.

Pero volviendo a “Los Siete Samuráis”, en el contexto de cine de aventuras, no hay otra forma de calificarla como vertiginoso, con una duración casi extra larga (mas de 3 horas) la cinta se antojaría “lenta”, no obstante es totalmente lo contrario, frenética, divertida y emocionante, adjetivos que, incluso, le quedan cortos, porque Kurosawa se desvive, es notable su manera de transformar un pasaje épico en una historia de conflictos internos en la cual los personajes, cada uno de ellos definido y diferente, buscan el camino a la redención por medio de el auto sacrificio y la contemplación de la estricta forma de vida del Samurái, personalidad central de la historia.

La trama, que no desmenuzaremos aquí, pero que a grandes rasgos parte de la búsqueda que emprende un grupo de campesinos por varios Samuráis con la finalidad de que estos protejan su aldea del acoso de un grupo de ladrones.

A partir de que los Campesinos comienzan a convencer a varios Samuráis (en el sentido estricto hay que aclarar que estos Samuráis en realidad son “Ronin”, es decir, guerreros sin patrón y deshonrados, de alguna u otra forma, pero que al momento de comenzar a trabajar para los aldeanos se convierten en Samuráis y encuentran así la redención) la cinta deambula entre dos géneros, el melodrama y la comedia desfasada. Esto se nota en esencia en dos escenas, en la primera los Campesinos sufren el robo de su arroz, con lo cual alimentan a sus benefactores, cosa que los pone en verdadera crisis, por otra parte, la comedia se destapa en una escena clave de la película cuando el Samurái líder Kanbei pide su aprendiz Katsushiro que golpee con un gran tronco a todo aquel que entre en el recinto, para ponerlo a prueba.

Luego de que todos los Samuráis llegan a la aldea los géneros se bifurcan más aún, dejando a un lado el drama Kurosawa se va mas hacia el género de, ahora si, aventura épica, comedia desbordada y un toque de romance, los personajes catalizadores de estos géneros son los Aldeanos.

El punto medular de la cinta es, hacia el final, cuando los mismos Campesinos deciden no dejar que nadie les arrebate lo que con tanto sudor y trabajo han conseguido, así ellos mimos se redimen y redimen, a su ves, a los Ronin ahora transformados en Samuráis.

Lo increíble de la cinta es la falta de pretencionismo por parte de Kurosawa que logra darnos varias lecciones, la primera, la de adentro, es en el mensaje de la historia, mensaje lleno de valores éticos que no hay que dejar a un lado, al contrario, hay que analizar y considerar. La segunda lección que da Kurosawa es con respecto a lo cinematográfico al mostrar como se puede realizar una cinte de tintes épicos con soltura y sin caer en posturas pretenciosas o de valores sin sentido, la misma lección que da en “Jojimbo”, pero magnificada por personajes mas desfachatados y situaciones mas heroicas, donde el sacrificio en una cualidad básica para convertirse en leyenda.

Por esas razones a los Norteamericanos les encantó “Los Siete Samuráis”, al grado de realizar un Remake (Los Siete Magníficos) simplemente porque el cine de Kurosawa tiene la misma esencia del Western, con personajes marginales (ahora se conocen como antihéroes) y situaciones límite que ponen a prueba el coraje y el valor ético de los mismos.

Sin lugar a dudas es “Los Siete Samuráis” es cine de escape, de aventura épica, divertido, incluso chistoso, romántico y lleno de paisajes hermosos que, a pesar de todo, no deja de ser un artículo de arte y una de las piedras angulares del cine universal, porque es cine hecho con pelotas, con pelotas Japonesas.

• Toshiro Mifune:(Kikuchiyo) el joven de origen campesino que intenta llegar a ser conocido como un verdadero Samurái, Mifune se convirtió en el actor fetiche de Kutosawa al aparecer en casi todas las cintas realizadas por el mítico director.
• Takashi Shimura:(Kanbei) el soldado nato y líder natural del grupo cuya capacidad de dirigir las masas y habilidad táctica le convierten en el líder perfecto.
• Daisuke Kato: (Shichiroji) es un antiguo amigo de Kanbei, además de un excelente y experimentado guerrero.
• Ko Kimura:(Katsushiro) es el más joven del grupo e intenta aprender a ser un buen Samurái de su “sensei” (maestro) Kanbei.
• Minuro Chiaki:(Heihachi) es el miembro más alegre del grupo, y quizás el único al que las guerras no han extirpado el buen humor.
• Seiji Miyaguchi:(Kyuzu) es el maestro en el arte de matar con la espada que acompaña al grupo y cuyo único objetivo en la vida es perfeccionar su estilo de combate. Como dato curioso, Seiji Miyaguchi, antes de rodar “Los Siete Samuráis”, no había tocado una espada, y en la película aparece como un verdadero experto.
• Yoshio Inaba:(Gorobei) este es sin duda el Samurái con más experiencia de todo el grupo. Podría salir de cualquier problema utilizando sólo su experiencia e ingenio.